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スティーブ ジョブズの伝記が触媒に：Robert Stillman、現実の不安定さへの抵抗を描くコンセプト作『10,000 Rivers』をリリース

作曲家・即興演奏家のRobert Stillmanは、Apple創業者スティーブ・ジョブズの伝記からインスピレーションを受け、新作アルバム『10,000 Rivers』をOrindal/Kit Recordsからリリースします。このアルバムは、ジョブズの人生の瞬間やパラダイムに直接応答する、文化的批評と音響的伝記を兼ねた作品です。Stillmanは、ジョブズのテクノロジーデザインを「乱雑な現実を、合理化され、死のない、かろうじて物理的なものに置き換えようとする意志の表現」として捉え、そのオルタナティブな物語を提示します。アルバムからの最初のシングルは2026年1月9日にリリース予定で、ビデオはJames Bridleが監督しています。

アルバムの音楽性は、80年代から90年代初頭のBilly Ocean、Gloria Estefan、10ccといったスムース・ミュージックに影響を受けています。Stillmanは、この時代を「人間とデジタルの間のナイフの刃」と呼び、ジョブズの全盛期と同時期に主流となったこの音楽の野心的で単調な特質を遊び心をもって解体します。サウンドは、合成アルペジオとアコースティックな即興が並び立ち、不快なオートチューンの子守唄や、Brian Wilson的なカリフォルニア・ドリーミングを解体した不気味なフリージャズの狂騒へと展開します。

『10,000 Rivers』は、ライブ感とパフォーマンス性を追求するため、1/2インチの8トラック・テープに録音され、リアルタイムでミックスダウンされました。この結果、一人の男の生涯と、それが定義するに至ったより広範な社会的価値観への思索的で、ジャンルレスなサウンドトラックとなっています。Thom YorkeやJonny Greenwood（The Smile）との最近のコラボレーションでも知られるStillmanにとって、本作は「ほころびながらも不死を設計しようとする人類の傲慢さへの悲歌」であり、彼の最も野心的で特異なプロジェクトの一つです。

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西部劇とスローコアの融合：Logan Farmer、新アルバム『Nightmare World I See The Horizon』で快適な安逸と世界の崩壊を問い、先行シングル「Manhattan」を公開

コロラドを拠点とするシンガーソングライター、Logan Farmerが、約3年の制作期間を経てニュー・アルバム『Nightmare World I See The Horizon』をリリースします。彼の音楽に一貫して流れる「破滅の気配」は本作でも健在ですが、その視線は単に差し迫った終末だけでなく、それを生み出した力、そしてその存続に私たちがどのように加担しているかという、より複雑な問題へと向けられています。先行シングル「Manhattan」は、Ben Wardが監督し、Gravesが出演するビデオと共に公開されました。

アルバムの核となるテーマは、恐怖と強欲に駆動された社会の論理的な帰結としての大惨事と、それに伴う羞恥心です。Farmerは、「Manhattan」で「僕は身勝手だ… 僕らは無頓着に甘い楽園を使い／それを灰に変えた」と歌い、暴力と快適さの相互依存という現代の病理を告発します。音楽的には、Heather Woods BroderickやAnnie Leethなどの豪華ゲストを迎え、スローコアやサーフ・ロックに加え、西部劇の映画音楽からインスピレーションを得た、歴史と暗黙の暴力を内包する野心的なサウンドスケープを構築しています。

過去作で「崩壊する世界でどう生きるか」を探求したFarmerの問いは、今作では「世界が崩壊する中で、快適な場所にいる自分自身とどう向き合って生きるか」へと深化しています。気候変動に加え、戦争や銃乱射事件といった隣接する緊急事態が描かれ、「Famously Dead」のリフレインにある「ワインをボウルに注ぐ」という行為は、快楽主義への逃避、あるいは罪悪感に苛まれた者の最後のあがきという二重の意味を持ちます。アルバムは、特権と運のシステムによって不平等に作り出された運命の中で、リスナーに自己と暴力との関わりを問いかけます。

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悲嘆と成長のアート・ポップ：ロンドンのシンガー Alice Costelloe、デビュー作『Move On With The Year』で過去を解体し親密な世界を再構築へ

ロンドンを拠点とするシンガーソングライター、Alice Costelloeが、待望のデビュー・アルバム『Move On With The Year』を2026年2月6日にMoshi Moshi Recordsからリリースします。現在、同アルバムのタイトル・トラックであるシングル「Move On With The Year」が先行公開されています。長年待たれていたこのソロ・デビュー作は、悲嘆（grief）と成長（growth）を同じ行為として捉え直す、個人的な再構築と創造的な絡まりの解消を記録したアート・ポップ作品です。

アルバムは、Mike Lindsay（Laura Marling、Anna B Savage、LUMPなどを手掛ける）によって、彼のマーゲイトのスタジオでプロデュースされました。この作品は、感情的な修復と創造的な解体の記録であり、彼女の過去のノイズを取り払い、その場に驚くほど親密な何かを再構築した、脆くも恐れを知らないアート・ポップとなっています。

Alice Costelloeは、自身のインディー・ロックのルーツが持つクールな正確さを超え、Mike Lindsayと共に新しいサウンドの世界を形作っています。メロトロンのドローン、はためくフルート、歪んだシンセ、そしてつまずくようなピアノの音色が特徴で、そのサウンドはFeist、Cate Le Bon、Andy Shaufの作品から影響を受けつつも、触覚的で人間味があり、断固として生きている感覚を放っています。

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ドローン・オルガンとチェロが織りなすサウンドスケープ：The Orielles、ニューアルバム『Only You Left』から新曲「Three Halves」で不条理なコントラストを探求する実験性を継承

マンチェスターを拠点とするスリーピース・バンド、The Oriellesが、ニューアルバム『Only You Left』のリリースを発表しました。これに合わせて、ニューシングル「Three Halves」も公開されています。このアルバムは、先行する実験的なLP『Tableau (2022)』の要素をさらに発展させつつ、長年のコラボレーターであるJoel Anthony Patchettのプロデュースのもと、ハンブルクと車のないギリシャの島ハイドラという二つの場所でレコーディングされました。

先行シングル「Three Halves」について、バンドは、そのタイトルが示唆するように、不条理なコントラストの間を行き来する楽曲だと説明しています。ドローンを響かせるオルガン、ギター、チェロのサウンドスケープの上に構築され、「ノイズと空虚さ、正確さとカタルシス」の間を漂い、それぞれの「半分」が次へと繋がっていく構成が特徴です。これは、彼らが新しいレコードの初期段階で興味を持ったアイデアを反映したものです。

アルバム・アートワークには、Louie Morrisに特別に依頼されたトリプティク（三連画）が使用されており、「Three Halves」のテーマを視覚的に引き継いでいます。バンドは、「アルバム・アートワークを、14世紀のオリジナルを現代的に再現したかのような、蝶番付きの木製ボードで作られた彫刻的な物理的オブジェクトとして構築した」と説明しています。彼らは、この三連画が時と共に摩耗し朽ちていくことで、不完全さと時の経過を強調したいと述べています。また、The Oriellesは新年にかけて、Independent Venue Weekの一環としてコヴェントリーやノリッジなどでのヘッドライン・ショーの開催も発表しています。

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超個人主義への対抗策：Ulrika Spacek、4thアルバム『EXPO』をリリース：「最も集団的な努力」で自己サンプリングのコラージュ・サウンドを構築

ロンドンを拠点とするサイケデリック・アート・ロック・バンド、Ulrika Spacekが、4作目のアルバム『EXPO』を2026年2月7日にFull Time Hobbyからリリースすると発表しました。ロンドンとストックホルムでセルフプロデュースされたこのアルバムについて、バンドは「超個人主義の時代において、今作がこれまでで最も集団的な努力の結晶であると断言できることを誇りに思う」とコメントしています。

バンドは、長年の特徴であったコラージュ的な音楽性をさらに一歩進め、「自分たち自身のサウンドバンクを作り、本質的に自分たち自身をサンプリングした」と説明しています。この制作アプローチにより、彼らのサウンドはパッチワーク的でありながらも、より明確なランドマークを打ち立てています。彼らの音楽は、オフキルターなメロディやジャギーなギター、巻雲のような雰囲気といった要素を通じて、共同の夢の論理を表現しています。

アルバムからのファースト・シングル「Build a Box Then Break It」は、アルバムのミッション・ステートメントのようなタイトルです。ステレオフィールドを横切るシンセの波と、Portisheadを思わせるクラッシュ音とジャジーなドラムが特徴的で、全体に心地よいグリッチ感があります。いつものUlrika Spacekのスタイル通り、楽曲には壮大でシネマティックなコーラスが備わっており、視覚的にも楽しめるミュージックビデオも公開されています。

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シューゲイズの至福が溢れ出す！Lemondaze、新シングル「polari」で無重力ユーフォリアを解き放ち、新作EP『subtext』をリリース決定

ケンブリッジを拠点とする4人組、Lemondaze（メンバーはIsis de Chastelain、Rosie Heard-Edwards、Finn Fox、Jonty Freeman）が、新シングル「polari」をリリースしました。この楽曲は、聴く者を飲み込むような典型的な無重力感のあるシューゲイズの多幸感を解放しており、朝の聴取に最適な音の津波として紹介されています。また、このシングルは、Venn Recordsから12月にリリースされる彼らのニューEP『subtext』の発表も兼ねています。

作詞とヴォーカルを担当するIsis de Chastelainは、「polari」の歌詞について、ノスタルジックな夏の思い出がインスピレーション源であることを明かしています。彼女は、2022年のGreen Man Festivalへの出演を振り返り、「最高の友達と最も美しい場所で過ごした、最も魔法のような時間」が、歌詞のテーマであると説明しています。この曲は、「最も大切な人たちと、最高にクレイジーな冒険を共に乗り切る『ride or die』の感覚」を表現しています。

この楽曲の制作自体には、パンデミック下のユニークなエピソードがあります。Isis de Chastelainによると、曲はFinn Foxと共に隔離期間（Quarantine）を過ごしていた際の「コロナによる熱に浮かされた夢（Covid-fuelled fever dream）」の中で生まれました。レゴバットマンやHalo 3で遊んだり、スウェーデン風ミートボールを作ったりする4日間の共同生活の中で「polari」が誕生したとのことで、ちなみに元々のタイトルは「eggs box 420」というユーモラスなものでした。

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オランダの雄 YĪN YĪN、4thアルバム『Yatta!』でコズミック・ディスコを恍惚的な次のレベルへ—グルーヴを極めた東南アジア×ファンクの集大成

オランダの著名なカルテットYĪN YĪNが、4作目のアルバム『Yatta!』をリリースしました。この作品は、ディスコ、ファンク、サーフ、サイケデリア、そして東南アジアのモチーフを歓喜のミックスとして拡張、屈折、そして点火させています。UNCUT誌に「コズミック・ディスコ」と評された彼らのサウンドは、前作『Mount Matsu (2024)』から引き続きダンスフロアを揺らすことに焦点を当てており、『Yatta!』ではその衝動が恍惚的な次のレベルへと高められています。バンドのグルーヴは深まり続け、本作は彼らの最も完成度の高いステートメントとなっています。

アルバムのオープニング曲「In Search of Yang」は、哲学者Alan Wattsの「陰陽」に関するサンプリングで始まり、バンド名の由来である「アンバランスの中でのバランスを見つける」という哲学を体現しています。彼らの音楽は、リスナーを想像上の場所へ誘う夢の旅のサウンドトラックであり、インストゥルメンタルであることで聴き手の解釈の余地を広く残しています。主要な影響源としては、70年代後半のイタロ・ディスコの神秘性や、彼らが初期に発見した東南アジアのサイケデリック・ギター音楽があり、「Night in Taipei」や「Pattaya Wrangler」といった曲でアジアへの強い傾倒が示されています。

ギターのErik Bandtが「これまでのアルバムで最もオーガニックな作品」と述べるように、『Yatta!』は、メンバーがスタジオで一斉にライブ録音し、すべてをテープに直接記録するという手法で制作されました。このアプローチが、エネルギッシュなダンスナンバーとリラックスしたサウンドスケープに温かい一体感を与えています。アルバム・タイトル『Yatta!』は、日本語の「やった！（達成した！）」に由来し、ドラマーのKees Berkersが語るように、「ついにプロのミュージシャンとして成功し、夢を叶えた」というバンドの達成感を象徴しています。

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「大人の役割を現実にしてはならない」：Boys Lifeが約30年ぶりの新作EP『Ordinary Wars』から「Always」を公開、若々しいエネルギーと宇宙的視点を提唱

Boys Lifeは、Spartan Recordsとの共同で、11月21日にリリースされる新作4曲入りEP『Ordinary Wars』から最新シングル「Always」を発表しました。この曲は、全ての人間に若々しいエネルギーと存在感を持ち続けるよう促すメッセージであり、大人の役割が現実になってしまうことを許すべきではないと示唆しています。ボーカルのBrandon Butlerは、Ram Dassの言葉を引用し、「私たちは誰でもない者として始まり、誰でもない者になる。その中間は驚き、発見、そして祝賀であるべきだ」と語り、人生を子供が喜びに満ちたものに接するように扱うべきだと提唱しています。この曲とアルバムは、「名前や肩書き、エゴではなく、私たちは具現化された宇宙である」というバンドの深遠な視点を反映しています。

『Ordinary Wars』は、カンザスシティのインディーロック・カルテットBoys Lifeにとって約30年ぶりとなるオリジナル作品で、彼らのクラフトへの揺るぎない献身を示しています。1993年にミズーリ州カンザスシティで結成された彼らは、情熱的で不協和音を伴うギター主導のサウンドとDIY精神、ミッドウェスト特有の感性で知られ、KnapsackやGiant’s Chairなどと同時代に活動し、ミッドウェスト・エモ・シーンの不可欠な一部となりました。1997年の解散後もメンバーは個々の音楽活動を続けましたが、2015年と2024年の再結成ツアーがきっかけとなり、彼らの共同作業の精神が再燃しました。

この新作EPは、2024年6月に長年の協力者であるDuane Trowerと共にWeights and Measures Soundlabでライブレコーディングされ、彼らの原点を思わせる環境で集中的に制作されました。『Ordinary Wars』は、死すべき運命、社会の幻滅、そして目的のある存在の切迫性といったテーマを掘り下げています。Butlerは、「私たちの世界、特に私たちの国は、失敗した実験だと見ている。私たちは時間を無駄にしている」と述べ、リスナーに無意味な追求を避けるよう強く促しています。ドラムのJohn Andersonは、レコーディング体験を「深く意味のあるもの」と要約し、「Bleeds」や「Equal in Measure」などのトラックがスタジオジャムから自然発生的に生まれたことで、彼らの新たな相乗効果が即座に捉えられています。

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Together PangeaがThe Red Pearsをフィーチャーした新曲「Halloween」を公開：サーフ・サウンドに「Deftones」の影響を加え、20代の不安をダークな自信に変えた『Eat Myself』

ロサンゼルスのバンド、Together Pangeaは、2026年1月16日にニューアルバム『Eat Myself』をリリースします。このトリオ（William Keegan、Danny Bengston、Erik Jimenez）は、これまでのガレージロックやサーフ・ルーツをさらに拡張し、Deftones、Smashing Pumpkins、My Bloody Valentineなどにインスパイアされた新しいサウンドを探求しています。これまでに「Like Your Father」、「Empty Church」、「Little Demon」、「Molly Said」が公開されており、10月24日にはThe Red Pearsをフィーチャーした新シングル「Halloween」を公開しました。この「Halloween」は、プロデューサーのMikey Freedom Hart（Taylor Swiftなどを手がける）によるもので、タイトルに反して音響的にはそれほど不気味ではないものの、彼ららしいサーフ調のサウンドと、「この悲しみが怒りだったらよかったのに／そうすれば僕は詩人になって、とっくに死んでいただろう」といった巧妙で遊び心のある歌詞が特徴です。

グラミー賞を3度受賞したプロデューサー、Mikey Freedom Hartと共に制作された『Eat Myself』は、Together Pangeaにとって大胆な新時代の幕開けとなります。彼らは20代の落ち着きのない不安を、経験と成長によって培われたよりダークで穏やかな自信へと交換しました。バンドは、『Jelly Jam』（2010年）や『Badillac』（2014年）など、作品を重ねるごとに音楽の境界を押し広げてきた実績があります。これまで数百万回のストリーミング再生を記録し、Rolling StoneやPitchforkなどの主要メディアから高い評価を獲得、Jimmy Eat WorldやFIDLARらともツアーを行うなど、インディーロックシーンで重要な役割を果たし続けています。

キャリアが15年を超えた今も、Together Pangeaは進化を続け、これまで以上に重要な存在感を示しています。2025年は、Coachellaでの待望のデビューや、ロサンゼルスのThe El Reyでのキャリア史上最大規模の公演といった大きな節目を迎えました。彼らは、11月にはサンフランシスコやサクラメントを含むカリフォルニアでの短期ヘッドライン公演を、そして1月にはロサンゼルスでのレコードリリース記念公演を含む一連の公演を行う予定です。新作『Eat Myself』は、彼らの揺るぎない音楽への献身と成長の証となっています。

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Animal Collectiveで唯一の未経験者 Geologist、ついにソロ・デビューへ！SST Recordsと日本の実験音楽に捧ぐ：ギターを諦めハーディ・ガーディを選択した制作秘話を語る—先行シングル「Tonic」はKeiji Hainoへのオマージュ

Animal Collectiveのメンバーの中で唯一ソロ・アルバムをリリースしていなかったGeologist（ブライアン・ワイツ）が、ついにその沈黙を破り、来年1月30日にDrag Cityから初のソロ・アルバム『Can I Get A Pack Of Camel Lights?』を発表します。この待望の作品には、バンドメイトのAvey Tareをはじめ、ドラマーのEmma Garau、Alianna Kalaba（FACS, Cat Power）、Ryan Oslance（The Dead Tongues, Indigo De Souza）、さらにはShamのShane McCord（クラリネット）やMikey Powers（チェロ）など、豪華なミュージシャンが参加しています。

アルバムは、独特な弦楽器であるハーディ・ガーディと、伝説的なパンク・レーベルSST Recordsから大きなインスピレーションを受けています。Geologistは、「10代の音楽はギターが中心だったが、自分はギターが苦手だった」と語ります。彼は、Keiji Hainoのハーディ・ガーディの演奏に感銘を受けつつも、その域に達するのは難しいと感じ、SSTのGreg Ginnがドラムマシンに合わせてギターソロを演奏したという逸話にならい、ハーディ・ガーディでこのアルバムを制作しました。ハーディ・ガーディという楽器が、彼を「お気に入りのミュージシャン」のスタイルに近づけてくれたと述べています。

このアルバムからの最初のシングルとして「Tonic」が公開されました。このタイトルの由来は、Geologistが1998年にJohn Zornの惜しまれつつ閉店したクラブで目撃した、Keiji Hainoの伝説的なライブセットに敬意を表したものです。

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