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Claire Cronin – “Before the End of Time”

ロサンゼルスを拠点に活動する作家・ミュージシャンのClaire Croninが、ニュー・アルバム『The Bruise』よりセカンド・シングル「Before the End of Time」をリリースしました。前作『Blue Light Of The Screen』や音楽活動を通じてフォーク・ホラーや精神的な恐怖（Spiritual dread）をテーマに描いてきた彼女ですが、今作は崩壊の危機に瀕した世界への深い郷愁と哀惜を歌った美しいトーチ・ソング（子守唄）に仕上がっています。夫のEzra Buchlaによる弦楽器とプロセッシング、Mark Wesselsによるミュージカル・ソウ（奏奏用鋸）が繊細に絡み合い、彼女が「フランク・シナトラの幽霊が難破船の犠牲者に歌いかけているイメージ」と語る通り、クラシカルで静謐なドゥーム・フォークの世界観を作り出しています。

あわせて公開されたミュージック・ビデオは、SNSを通じて公募されたユーザー投稿映像と彼女自身の映像を編集して制作されました。「世界の終わり、あるいは人生の最後に愛おしく思い出すであろう風景」というテーマで寄せられた映像には、海岸線や空、木々、子供や動物たちといった共通した美しい日常の瞬間が収められています。世界への愛着と喪失感が交錯する楽曲の展開に寄り添うように映像が切り替わり、ノスタルジックで胸を打つ映像作品となっています。


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執筆家／音楽家Claire Croninが放つフォーク・ホラーの異形：壮絶な出産体験と死生観が交錯する先行シングル「Black Water」と、ドゥーム＆ドローンを呑み込んだ最高傑作『The Bruise』

ミュージシャンであり執筆家でもある Claire Cronin が、前作『Bloodless』（2021年）以来となる待望のニューアルバム『The Bruise』から、リードシングル「Black Water」を公開しました。夫であり音楽的パートナーの Ezra Buchla とのデュオ編成で制作された本楽曲は、6分間に及ぶ催眠的なアコースティック・フォークです。幾重にも重ねられた澄んだヴォーカル・ハーモニーと Ezra の低いベース声が合わさり、エセリアルでありながらもどこか不穏で不気味な気配を纏った音像を作り上げています。

先行シングル「Black Water」は、Cronin 自身が「死と生の接近を予言していた」と語る通り、楽曲制作後に経験した第2子の壮絶な出産体験や、世代を超えて受け継がれる痛みをモチーフに書かれました。「marigold, tiger’s eye, baby cry」という呪文のような言葉の反復と、死後の世界への不確かさを描いた詞世界は、母であり娘でもある彼女の切実な精神性を深く反映しています。

この「Black Water」を核に持つアルバム『The Bruise』は、ドゥーム・メタルの空気感やアヴァンギャルド・ドローンの要素を融合させた独自のフォーク・ホラー作品です。Julia Holter（ハーモニウム）や Deerhoof の John Dieterich（シンセサイザー）ら豪華なゲスト陣に加え、古いラジオのノイズや赤ん坊の寝息といったフィールド・レコーディングを組み込むことで、伝統的なフォークの枠組みを怪奇な異形へと変貌させています。現代性と太古の響きが同居する、重厚で超越的な最高傑作です。


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Claire Cronin – “Black Water”

ミュージシャンであり執筆家でもある Claire Cronin が、2026年秋リリースのニューアルバム『The Bruise』から、リードシングル「Black Water」を公開しました。かつて The Mae Shi や Gowns で活躍した夫の Ezra Buchla とのデュオ編成で制作された本楽曲は、6分間に及ぶ静けさと催眠的なムードを湛えたアコースティック・フォーク・トラックです。自身の声に重なるエセリアルなコーラスや Ezra のベースボーカル、不気味で奇妙なイメージが交錯するサウンドによって、ドゥーム・メタルやアヴァンギャルド・ドローンの精神を宿した独自のダーク・フォークを提示しています。

Cronin が「死と生の近さを予言していた」と語る本作は、第2子の壮絶な出産体験や、親から子へ継承される痛みをモチーフに書かれました。歌詞の中で投げかけられる死後の世界への疑念や「marigold, tiger’s eye, baby cry」という呪文のような言葉の反復が、個人の深い感情的体験と神聖な異様さを結びつけています。先行曲「Black Water」は、母として、そして娘として生きる Cronin の内省的な精神世界が凝縮された、アルバム『The Bruise』の全貌を期待させる一曲です。


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2本のギターが紡ぐ水流のような音の対話――Meg Duffy と Gregory Uhlmann が詩人 Adrienne Rich の思想を結実させた2ndアルバム『Hot Creek』をリリース、先行曲「Public Life」も公開

Meg Duffy（Hand Habits としてソロでも活動）と Gregory Uhlmann によるロサンゼルス拠点のギターデュオ Duffy x Uhlmann が、8月14日に Orindal Records より2ndアルバム『Hot Creek』をリリースすることを発表しました。先行シングル「Public Life」の公開にあわせて、Christina Huang が監督を務めたビジュアライザーも披露されています。

新曲「Public Life」は、「見る・見られる」ことの関係性をテーマにした、緩やかでメランコリックな楽曲です。静かな表面の下に流れるアンダーカレント（伏流水）の存在を漂わせる繊細なトーンが特徴で、作品が持つ静かな深みと密やかな感情を美しく映し出しています。

2023年のデビュー作『Doubles』に続く本作『Hot Creek』は、詩人 Adrienne Rich の「共通言語の夢」という概念に着想を得ています。前作の無骨で都市的なサウンドスケープから一転し、カリフォルニア州モノ郡の地熱温泉「ホット・クリーク」にちなんで命名された本作では、2本のギターによる即興演奏を通して水流のような変幻自在のメロディを構築し、自然界の広がりと無常観を描き出しています。

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庭園の学びと自然への愛を奏でる、Jess Jonesのオーガニック・ポップ：Sand Duney名義初のアルバム『Plant Material』と、きらめく陽光を浴びた先行シングル「Saw You in the Roses」

Dear NoraやCynthia Nelson Bandなどの活動でも知られるシンガーソングライター／マルチプレイヤーのJess Jonesによるソロプロジェクト、Sand Duney。彼女がニューシングル「Saw You in the Roses」をリリースし、併せてミュージックビデオを公開しました。本作は、Anything Bagel、Bud Tapes、Orindal Recordsの3レーベルから9月4日にリリースされる自身初のフルアルバム『Plant Material』からの瑞々しい先行リードシングルです。

リードシングル「Saw You in the Roses」は、弾むようなドラムときらめくギターサウンドが陽光のように心地よい、わずか2分強の温かく爽快なインディーポップです。様々な音楽ジャンルの要素をぎゅっと凝縮した、浮遊感がありエニグマティック（謎めいた）な魅力を放つこの曲は、アルバムの幕開けにふさわしい、短いながらもまばゆい輝きに満ちた1曲に仕上がっています。

続く待望のアルバム『Plant Material』は、2021年のデビューEP『The Julia Loop』以来となる作品です。Jess Jonesがランドスケープデザインや持続可能なガーデニングを学んだ経験が随所に織り込まれており、自己の深まりや愛、そして自然界への理解を深く探求しています。ポートランドとミズーラ（モンタナ）の自宅などで自ら録音・ミックスを行い、ペダル・スティール、ギター、ベース、オルガン、ドラムといったすべての楽器を彼女自身が演奏した本作は、変化し続ける世界の中で生きるリズムを見出すための、豊かで生命力あふれるサウンドスケープを提示しています。


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ブラトルボロの知性が紡ぐ、風景と身体の対話——フォーレの翻訳からヴィンテージ・リズムマシンまでが溶け合う、Ruth Garbusの深遠なる音楽世界

バーモント州ブラトルボロのシンガーソングライター、Ruth Garbusが、Orindal Recordsから6月12日にニューアルバム『Profound』をリリースすることを発表し、先行シングル「I Think I’m Ready Now」を公開しました。2023年の『Alive People』に続く本作は、Elie McAfee-Hahn（キーボード）とNick Bisceglia（ギター）とのトリオ編成を軸に、King TuffことKyle Thomasのホームスタジオで録音。これまでの彼女の作品に見られたミニマルな憂鬱さは影を潜め、より幸福感と自己肯定感に満ちた、アーティストとしての確信が漲る一作となっています。

本作は40代の女性としてのアイデンティティや身体的な変化、そして精神的な再生を深く考察した肖像画のようなアルバムです。Gabriel Fauréの楽曲を翻訳した「Clair de Lune」や「Nocturne」が収録されるなど、クラシックやヴォーカルトレーニングの経験が反映されており、音楽的にも新たな深みに到達しています。特に「I Think I’m Ready Now」についてGarbusは、力みを手放しリラックスすることで初めて得られる「真のパワー」を表現したと語っており、彼女の音楽的な進化を象徴しています。

アルバムの後半では、鬱や不安症の治療による精神的な安定も相まって、これまでにないほど明るく多幸感のある楽曲が並びます。パートナーであるChris Weismanに捧げたラブソングや、遊び心溢れるポップ・トラック「Tall Face」など、ヴィンテージのリズムマシンや加工されたギターが「穏やかで魔法のよう、それでいてアヴァンギャルド」な響きを構築しています。Sam GendelらとのEarth Flowerでの活動を経て、さらなる音楽的探求を続ける彼女が、今の自分を愛し、次なる可能性へと歩み出す姿が刻まれた意欲作です。


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bobbieが新作『Lessons』を発表。夢と現実が溶け合うアンビエント・ポップ、新曲「Cloud Vision」解禁

西マサチューセッツを拠点とするアーティスト bobbie が、2026年3月6日に Orindal Records からニューアルバム『Lessons』をリリースします。先行シングル「Cloud Vision」が公開された本作は、ドリーム・ポップの儚さとアンビエントの抽象性、そして親密な歌声が融合した独自のサウンドを展開。前作『Rhododendron』に続き、自らパン職人としても活動する彼ららしい、丁寧で温かみのある表現がさらに深化しています。

アルバムの核心にあるのは、歪んだオムニコードのループやドローンシンセ、深く響くギターが織りなす重層的な音の風景です。エンジニアの Felix Walworth によるドラムと bobbie のボーカルが加わることで、Enya や Cocteau Twins のようなアンビエントな質感と、Frankie Cosmos に通じるポップな詩情が共存。楽曲同士が途切れることなく流れる構成は、まるで波や呼吸のようにリスナーを包み込みます。

今作のイメージの多くは、bobbie が毎朝記録している「夢やビジョン」から着想を得ています。Arthur Russell や Alice Coltrane などの幅広い影響を背景に、「人々や物事をあるがままに愛すること、そして世界を丸ごと受け入れようとする姿勢」をテーマに掲げています。不可能なことだと知りながらも心を開き続けようとするその探求は、2025年4月にブルックリンで録音され、Josh Bonati によるマスタリングを経て、極めて純度の高い作品として結実しました。

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bobbie – “I Could Call You”

ウェスタンマサチューセッツ出身のアーティスト、bobbieが、Orindal Recordsに加入し、新しいシングル「I Could Call You」をリリースしました。これは彼女の次なるディスコグラフィーの最初の先行シングルとなります。このリリースは、bobbieとレーベルとのコラボレーションの始まりを告げるもので、没入感のある雰囲気と正確なメロディ構造を特徴とする彼女のコンテンポラリーなドリームポップの存在感を強固にしています。

この楽曲は、bobbieがFelix Walworth（Florist、Told Slant）と共同で書き、プロデュースしたもので、オーガニックなパーカッション、シンセサイザー、そして一定のリズムを保つギターが調和する中で、徐々に展開し、コーラスで最高潮に達します。マスタリングはJosh Bonatiが手掛け、楽曲にバランスと明瞭さを与えています。タイトルである「I could call you」というフレーズが最初と最後に登場し、感情的なつながりの永続性を表す物語のサイクルを生み出しています。bobbieは、憂鬱さを内省的な空間へと変える能力をこの曲で示しており、詩的なアプローチと瞑想的なサウンドを通じて、エレクトロニクスとポップな感性を組み合わせた自身のアイデンティティを再確認しています。この新しい作品は、2023年にFlower Soundsから発表された『Rhododendron』や、これまでの自主制作プロジェクトに続くものであり、Orindal Recordsへの参加により、bobbieは創造的な世界観を拡大し、来年発表される新たな楽曲の開発へと進んでいます。

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スティーブ ジョブズの伝記が触媒に：Robert Stillman、現実の不安定さへの抵抗を描くコンセプト作『10,000 Rivers』をリリース

作曲家・即興演奏家のRobert Stillmanは、Apple創業者スティーブ・ジョブズの伝記からインスピレーションを受け、新作アルバム『10,000 Rivers』をOrindal/Kit Recordsからリリースします。このアルバムは、ジョブズの人生の瞬間やパラダイムに直接応答する、文化的批評と音響的伝記を兼ねた作品です。Stillmanは、ジョブズのテクノロジーデザインを「乱雑な現実を、合理化され、死のない、かろうじて物理的なものに置き換えようとする意志の表現」として捉え、そのオルタナティブな物語を提示します。アルバムからの最初のシングルは2026年1月9日にリリース予定で、ビデオはJames Bridleが監督しています。

アルバムの音楽性は、80年代から90年代初頭のBilly Ocean、Gloria Estefan、10ccといったスムース・ミュージックに影響を受けています。Stillmanは、この時代を「人間とデジタルの間のナイフの刃」と呼び、ジョブズの全盛期と同時期に主流となったこの音楽の野心的で単調な特質を遊び心をもって解体します。サウンドは、合成アルペジオとアコースティックな即興が並び立ち、不快なオートチューンの子守唄や、Brian Wilson的なカリフォルニア・ドリーミングを解体した不気味なフリージャズの狂騒へと展開します。

『10,000 Rivers』は、ライブ感とパフォーマンス性を追求するため、1/2インチの8トラック・テープに録音され、リアルタイムでミックスダウンされました。この結果、一人の男の生涯と、それが定義するに至ったより広範な社会的価値観への思索的で、ジャンルレスなサウンドトラックとなっています。Thom YorkeやJonny Greenwood（The Smile）との最近のコラボレーションでも知られるStillmanにとって、本作は「ほころびながらも不死を設計しようとする人類の傲慢さへの悲歌」であり、彼の最も野心的で特異なプロジェクトの一つです。

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夢と現実の境界を揺蕩う、遊び心と憂鬱が共存する音の曼荼羅：実験的なフォークポップが描く個人的なビジョン

『Across a Violet Pasture』は、ダークで奇妙な世界観を持つグレッグ・ジェイミーのセカンド・ソロ・アルバムです。この作品は、夢と現実の狭間にあるような個人的なビジョンを、10曲にわたって探求しています。メイン州を拠点とするミュージシャンでありビジュアルアーティストでもあるジェイミーの、幽霊のような雰囲気はありますが、葬儀のような厳粛さよりも遊び心が感じられます。まるで、深淵の上にきらめく床を敷くような、実験的なフォークポップです。アルバムには、船乗りの歌、カウボーイソング、デヴィッド・リンチの映画のようなラウンジミュージックといった多様な要素が取り入れられていますが、特定のジャンルに縛られることなく、ジェイミー独自のユニークなブレンドを生み出しています。

アルバムの多くの曲は、自由や意味を求めて「去っていくこと」をテーマにしています。開かれた道、森、遠い岸辺といった言葉が繰り返し登場しますが、物語は完全に語られることはなく、断片的に示唆されるのみです。死や暴力的なイメージも登場する一方で、メロディーは懐かしい甘さと明るさに満ちています。「I’d Get Away」や「When I Die」といった曲の、人を惑わせるような歌詞が、最も印象的なリフレインとなっています。この複雑に layeredされたサウンドは、まるで汚れたカセットテープから聞こえてくるようだとジェイミーは語っており、エコーのかかった音が、洞窟や長い道といった距離感を演出しています。

このアルバムは、ジェイミーと長年の協力者であるコルビー・ネイサンとの、セラピーのようなプロセスを経て制作されました。ネイサンは、ジェイミーのアイデアを解釈し、アルバムの音の雰囲気を形作る重要な役割を果たしています。また、バイオリンのロバート・ピキオールや、ネイフルートのトム・コヴァチェヴィッチ、そしてフォークシンガーのジョセフィン・フォスターといったゲストも参加しています。アルバムのタイトルである「バイオレットの牧草地」は、情熱的な赤と悲しげな青の混合を意味し、自然界ではめったに見られない、神秘的で儚い美しさをこの作品に与えています。この作品の魅力は、その直感的な生々しさと、個人的な神話から生まれたアートであることにあります。

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