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Mira Mann – “People Have The Power”

ウィーンを拠点とするブッカー、パフォーマンスアーティスト、ミュージシャンであるMira Mannは、音楽業界の仕組みを再考するために「Futurepast」という新しいプロジェクトを立ち上げました。これは、彼女のお気に入りのヒット曲、つまり「現在を感じ、過去を知っている」トラックへの解釈や応答として、2ヶ月ごとに新曲をリリースするという試みです。シリーズの第3弾として、MannはPatti Smithの「People Have The Power」を起点に選び、Mona Steinwidder（別名 Museum Of No Art）との表現豊かで個性的なコラボレーションを実現しました。この共作の中で、彼らは時間の経過に伴うアイデアや思考の機能を探求しています。

Steinwidderのクラリネットループの濃密な網の中で、Mira Mannは過去数年間のメモを集めて彼女自身のナラティブを形成し、リスナーに委ねられる一種の「オート・ナレーション」を生み出しました。Steinwidderもまた過去の自身のアイデアを探求し、リスナーを導くテキスト断片のように「落ち着きがなく、特異的」でありながらも、「すべてが束の間で捉えどころがない」音楽を作り上げています。このシリーズは、「大惨事、戦争、暴力」といった現代の複合的な危機から着想を得ており、Mannは過去の力強い曲に耳を傾け、それを現在に引き寄せることで、ポップミュージックがこれにどう応答できるかを問うています。彼女は、詩、音楽、パフォーマンス、パンクとポエトリーの間で活動する分野横断的なアーティストであり、その個人的な作品でハイカルチャーとサブカルチャーの境界を打ち破り、この「Futurepast」サイクルは、愛や人生など、すべてについて共有された音楽の規範を通じて対話を行うための招待状となっています。

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Colleen、30年の水恐怖症克服の経験を音に昇華：Moog Matriarchを駆使し「終わりを迎える前の自由」を問う新作『Libres antes del final』からシングル「Antidoto」を発表

マルチインストゥルメンタリストのCecile Schottによるプロジェクト、Colleenが、ニューアルバム『Libres antes del final』からの先行シングル「Antidoto」（「解毒剤」の意）をリリースしました。オルゴールやバロック弦楽器など、アルバムごとに明確な楽器構成を持つことで知られるSchottの音楽は、その緻密さの中に、不必要な苦しみからの解放への希望と深い感情を込めています。彼女は本作を「動き、身体、水、そして切迫感への頌歌」と捉え、人生の終わりを迎える前に真に自由になるという願望を表現しています。

アルバムの核心的なインスピレーションは、Schott自身が30年間の水恐怖症を克服し、海で泳ぎを再び学び始めたという個人的な経験にあります。彼女は、この挑戦を「不安定な環境の中で、自分の限界に直面しながら、人生をナビゲートすることを学ぶこと」の強力なメタファーと見なしています。Schottは、この人生の新たな領域への突入を反映し、Moog Matriarchを用いて、パルス駆動で絶え間ない勢いのあるエネルギーをアルバムの中心に据えています。その後、バルセロナの会場Casa Montjuicでリアンプすることで、物理的な身体性と会場の音響が音楽に捉えられました。

先行シングルである「Antidoto」は、アルバムに収録されている曲の一つであり、その楽曲解説では、「衝突するアルペジオが、めまいのするようなパルスの変化によってバラバラになる」様子が描写されています。Colleenの音楽は、Schottの人生のスナップショットを、緻密なMoog Matriarchの操作によって驚異的な音響の地形へと変容させます。『Libres antes del final』は、「思考、感情、行動への責任」といった実存的な問いに、「再生と活性化の作品」、そして「未知に立ち向かうことで光を見つける」という歓喜に満ちた解放で答えています。

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ミュンヘンからロンドンへ移住したPILLBERT（Lilian Mikorey）が、アコースティックとフィールドレコーディングを融合させ、「夢の家」を巡る自己探求の3段階を描いた全10曲のデビューアルバム

ソングライター／プロデューサーである Lilian Mikorey こと PILLBERT が、デビューLP『Memoria』から先行シングル「The Lighthouse」とそのミュージックビデオをリリースしました。この楽曲は、彼女の特徴であるしなやかなフォークギター、フィールドレコーディング、そして親密なボーカルをブレンドしたサウンドで、アイデンティティや帰属意識といったテーマを深く探求しています。ビデオは Lara Fritz と Hanne Kaunicnik がディレクションし、Quirin Brunhuber が振り付けを担当、Marina Mata Gomez と Jasmine Henry がダンサーとして出演しています。

20歳になる前にミュンヘンからロンドンへ移住し、故郷を失った Mikorey は、「家」の概念そのものを問い始め、その孤独を乗り越えるために集めた物体（骨、石など）や、頭の中で築いた「夢の家」を通じて「家にいるという実際の感覚」を追跡しました。アルバム制作の出発点となったのは、暖かさを放ちながらも見捨てられたように見える故郷の小さな家の写真でした。彼女は「この写真のような音の音楽を作りたい」という思いから、周囲の音や集めた物体の音を録音し、独学のギターとAbletonでの制作スキルを用いて、パーソナルで内省的な音楽を構築しました。

全10トラックからなるアルバム『Memoria』は、頭の中で家を築く、それが永遠の解決策ではないと悟る、そしてそれを受け入れるという3つの段階を辿る彼女の感情的な旅路を辿っています。Mikorey は、道に迷っている状態を受け入れることで、成長し、「家」の意味に関する一般的な概念から離れた新しいものが育つ余地が生まれることを発見しました。このアルバムは、同じように成長を志すすべての人にとっての道しるべとなることを目指しています。

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Elias Weber – “faces”

ベルリンを拠点とするマルチ・インストゥルメンタリスト、作曲家、音楽プロデューサーの Elias Weber が、ソロ活動の第一歩としてニューシングル「faces」をリリースしました。彼は「時にはハッピーに、時にはサッドに感じる誰かのために」音楽を書いて演奏していると述べており、深く直感的で心からのソングライティングのアプローチで楽曲制作に取り組んでいます。

この楽曲は、アンビエント・フォークとアコースティックなサウンドスケープをブレンドしており、繊細ながらも感情的にパワフルな、彼の内面世界を親密に反映した作品です。アコースティックギター、コントラバス（ダブルベース）、ソフトなボーカルを組み合わせることで、温かくフォーク調のサウンドを生み出しており、その優しく心からのテーマは、個人的でありながら普遍的な響きを持っています。

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Litronix – “Bus Stop” (Beak> mix)

Litronix が、楽曲「Bus Stop」の Beak> によるリミックスバージョンをリリースしました。Beak> は、Portishead の Geoff Barrow らが参加する英国のエクスペリメンタル・ロックバンドとして知られています。

このリミックスは、Litronix のオリジナル曲に、Beak> 特有のミニマルで反復的なポストパンク／クラウトロックの要素を加えています。これにより、バス停という日常的な場所をテーマにした楽曲に、リズミカルで催眠的な、新しいダンスフロアの次元がもたらされています。

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Ulrika Spacek – “Square Root of None”

Ulrika Spacek が、2026年2月6日に Full Time Hobby からリリースされるニューアルバム『EXPO』より、セカンドシングル「Square Root of None」を公開しました。この楽曲は、Katya Ganfeld が監督し、Ulrika Spacek 自身が編集を担当したミュージックビデオと共に発表されています。

公開された歌詞は、「I’m eyes wide shut proficient」（目を開けずに熟練している）というフレーズで始まり、「Invisible lines / Square root of none」（見えない線／ゼロの平方根）や「In a strange loop of zero」（ゼロの奇妙なループの中にいる）といった、抽象的で内省的なテーマを提示しています。「A decision of mine!」（私自身の決断だ！）という叫びで締めくくられるこの曲は、自己決定、時間のズレ、そして「5の分割」という反復的なモチーフの中で、前進と後退の間で揺れ動く複雑な思考を探求しています。

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「荒削りな完璧さ」を追求：The Notwist、非営利アートスペースで一週間かけてライブ録音を敢行―「X-Ray」に象徴される集合的エネルギーで未来のアンセムを爆発させる

The Notwistは、長年の探求と実験を経て、ニューアルバム『News from Planet Zombie』を2026年3月13日にMorr Musicよりリリースし、活動を再開します。この作品は、メランコリーとポジティブさの両方に富んだ、スリリングで熱意あるポップソングの組曲として描かれています。混沌とした世界を反映しつつも、温かさと寛大さをもって応答し、創造的かつ精神的な統合を達成するアルバムです。バンドが拡大されたライブ編成でスタジオに集結し、全員で録音したのは1995年の『12』以来初の試みであり、故郷ミュンヘンでローカルな安定を再確認しながらグローバルな問題を探索する衝動が、全11曲に貫かれています。

今作の制作では、コアトリオのMarkus Acher、Micha Acher、Cico Beckが他のメンバーと共にライブ録音を採用しました。その結果、アルバムはエネルギーに満ち、「今」に完全に存在する作品となり、特に先行シングルとして公開された「X-Ray」では、彼らの集合的なエネルギーが最大限に引き上げられ、未来のアンセムを爆発させています。アルバムのオープニング曲「Teeth」が静かに内省的に始まるとすれば、「X-Ray」では全員が超チャージされ、高い集合的エネルギーを放出します。また、インストゥルメンタルの「Propeller」の鳴り響くキーや、「The Turning」の心温まるメロディなど、全編でマジックが湧き出る瞬間が聴き取れます。

『News from Planet Zombie』は、現在の地政学的な行き詰まりによる苦悩を認識しつつも、集合的な前進の道があることを示唆する物語を持っています。Markus Acherは、ゾンビの比喩を通じて現代の不安を探り、世界を「ひどく非現実的なB級ホラー映画」のようだと表現しつつも、故郷ミュンヘンの川に例をとり、時の流れと一瞬一瞬の貴さを説いています。アルバムは非営利スペースImport Exportで録音され、意図的な荒削りな質感が残されており、このオープンな姿勢は、Neil YoungやLoversの楽曲カバー、そしてHaruka Yoshizawaら国際的なゲスト参加にも表れています。

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Animal CollectiveのDeakinとGeologist、ハリケーン・サンディ後の再建を記録したドキュメンタリー『Jetty』のOSTをリリース―Sam Fleischner監督作品の「催眠術のように魅力的」な映像世界を音楽で彩る

Domino Soundtracksは、Animal CollectiveのメンバーであるDeakinとGeologistが手掛けた、2025年公開のドキュメンタリー映画『Jetty』のオリジナル・サウンドトラック（OST）をリリースすることを発表しました。このOSTは本日よりデジタル配信が開始され、ヴァイナル盤は4月17日にリリースされる予定です。『Jetty』は、Panda Bear、MGMT、Santigoldなどのミュージックビデオを手掛けたSam Fleischnerが監督を務めています。

このドキュメンタリーは、2012年のハリケーン・サンディによる破壊後のニューヨーク市ロックアウェイ・ビーチの再建を記録したものであり、「催眠術のように魅力的」（The New Yorker）、「完全に引き込まれる」（The Criterion Channel’s Current）と絶賛されました。Animal Collectiveの半数を占めるGeologistとDeakinは、その映像作品にオリジナルサウンドトラックを提供しています。

映画『Jetty』は現在ストリーミングで視聴可能であり、今月はロサンゼルス、サンフランシスコ、フンボルト国際映画祭での劇場上映も予定されています。ファンは本日よりサウンドトラックの全曲をストリーミングで聴くことができるほか、OSTのハイライト曲の一つである「Boardwalk」に合わせて編集された映画のクリップも視聴可能です。

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カルト指導者の父との決別を音楽に昇華：Essvus（Gen Morigami）が数十年の心理的苦痛を「ノイズ駆動のIDM」で表現したカタルシス的アルバム『What Ails You』

音楽プロデューサー Essvus（Gen Morigami）は、ニューアルバム『What Ails You』を通じて、長年にわたるメンタルヘルスとの闘い、家族との疎遠、そしてアート、創造性、コミュニティとの再接続を表現しています。この作品は、ノイズ駆動型かつIDMの影響を受けた、魅惑的でカタルシスのある音楽となっています。Essvus自身、「この音楽に取り組み始めたのは、数年続いた重度の自己破壊的な鬱病の最中だった」と説明しており、人生の暗い側面に絡みつく温かさ、慰め、美しさを織り交ぜています。

このアルバムの制作動機には、Essvusの個人的なトラウマが深く関わっています。彼は、2020年に父親からの関係を断ち切るメールを受け取った際に、初めて父親がカルトの指導者であり、自分が「数十年にわたる自己愛的な虐待と心理的苦痛」に耐えてきたことを認識したと告白しています。この決別は、彼を操り、這い戻らせるための戦術でしたが、結果として彼が過去と向き合い、芸術を通じて自己を解放する大きなきっかけとなりました。

リードシングル「Never Here」のオフィシャルビデオも公開されました。この曲は、催眠的でトランスのようなドラムンベースのフレーミングの中に、「I wish I was never here（私は決してここにいなければよかった）」というフレーズを響かせることで、抑圧的なダンスフロアを想起させます。この言葉は、Essvusが経験した「暗い時代と心理的な状態」を語っており、絶望的な感情を、踊れるリズムに乗せて表現するという、作品の複雑な側面を象徴しています。

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激しい即興から一転：Tashi Dorji、エレキギターで「静けさ」を探求し「制度的非人道性」への政治的声明を提示する3rdアルバムをリリース

ギタリストのTashi Dorjiは、Drag Cityからの3作目となるアルバム『low clouds hang, this land is on fire』を1月30日にリリースします。これまでの作品に見られた「猛烈なアコースティック即興」から一転、新作ではエレキギターを用いた「驚くほど穏やかな音楽的漂流」へと大きくシフトしています。このボリュームを抑えたアプローチは、Dorji曰く「静けさを見つけるため」であり、「制度的な非人道性」に対する政治的な声明として捉えられています。

本日公開された先行シングル「gathering」と、Robert Beattyが監督した内省的なビデオは、アルバム全体を特徴づける瞑想的でメランコリックな感覚を体現しています。過去の作品が燃え盛る炎だったとすれば、このアルバムは「静かな炎」です。Loren ConnorsやBill Frisellの繊細な系譜と比較されるこの音楽は、くすぶる賛歌として、そして抵抗のためのアンセムとして機能しています。

アルバムの曲のタイトルや、アナーキストのZINEから引用された詩的な詞は、疲弊、そして「自分自身を救うために自分自身の外へ出る」必要性という物語を示唆しています。Dorjiの新しいサウンドは、明白な力ではなく、抑制と意識的な進行の中にそのパワーを見出す2026年のためのパンク・アンセムです。『low clouds hang, this land is on fire』は、悲しみの時代における際立ったシグナルであり、いかに抵抗し、再始動するかという熟慮のためのサウンドトラックを提供しています。

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