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Ouri – “Paris” (Feat. Oli XL)

モントリオールを拠点とするシンガー兼プロデューサーのOuriは、数週間後にリリースされる新しいLP『Daisy Cutter』から、タイトル曲やCharlotte Day Wilsonとのコラボ曲「Behave !」に続き、スウェーデンのグリッチ系プロデューサー、Oli XLとの共作「Paris」を発表しました。この曲は、Ouriが育った都市パリについての深い記憶を呼び起こすものです。空間を大胆に使った先鋭的なダンス・トラックでありながら、Ouriのボーカルが加わることで、親密でアットホームな雰囲気を醸し出しています。

Ouriは、プレスリリースで「Paris」を「この街で育った若い自分へのオマージュ」だと語っています。クラシックのチェリストの道が自分には合わないと悟り、馴染もうとしつつもより大胆なライフスタイルを試みていた当時の心情を表現しています。「最も美しい都市で、14歳にして日の出と共に寝る生活」が網膜に永遠に焼き付いていると述べています。Oli XLが加わったことで、この曲はOuriにとって「究極のタイムトラベル・ソング」となり、アルバムで最も気に入っている曲になったそうです。Ouriはこのトラックのビデオも自らパリで監督しており、Oli XLが彼女の携帯電話を盗んで走り去る様子が描かれています。

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Austra – “Siren Song”

Austraの2020年以来初となるニュー・アルバム『Chin Up Buttercup』が11月にリリースされるのを前に、彼女はゴージャスな楽曲「Siren Song」を先行公開しました。この曲はPatrick Holland（パトリック・ホランド）との共作で、Austraは「『Siren Song』は、ABBA、『Ray of Light』、『X-Files』、そしてギリシャ神話が交差するどこかに存在します」と語っています。Patrickとの初期のソングライティングではABBAからインスピレーションを受け、デモ録音中に「セイレーン」が彼女に現れ、Orpheus（オルフェウス）が共通の宿敵となることにすぐに気づいたといいます。

最近の『X-Files』の一気見を通じて、Mulder（モルダー）の妹を必死に探す姿にも強く触発されました。また、共同プロデューサーのKieran Adams（キーラン・アダムス）と共に音の世界観を構築する最終段階で『Ray of Light』の影響が加わり、その音の世界が、セイレーンが恋人をOrpheusと彼の厄介な竪琴に奪われたことを嘆く背景となっています。この「Siren Song」のミュージックビデオは、Vanessa Magic（ヴァネッサ・マジック）が監督を務めています。

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OhNothing – What Do We Look Like

兄妹デュオによるOhNothingは、2025年10月3日にCelebration Recordsからセカンドシングル「What Do We Look Like」をリリースしました。この楽曲は、人間の根源的な実存的な感情を掘り下げ、それを踊れるオルタナティブ・エレクトロ・ポップへと昇華させています。人生の渦中に立ち、外側と内側の両方を見つめながらも、明確な答えを見出せない状態を歌っています。彼らはこの曲を、「私たちは本当にどこから来たのか、そして私たちの人生の目的は何なのか、という疑問を投げかける」ものだと説明しています。

このシングルは、The KnifeやCHVRCHESといったアーティストからインスピレーションを受けて制作されました。楽曲は、踊れるエレクトロニックなシンセサイザー、きらめくメロディ、そしてリズミカルなレイヤーによって、聴く人を映画的な雰囲気を持つ音の世界へと引き込みます。この脈打つサウンドの奥には、「身体的に感じられ、内省を呼び起こすエレクトロニック・ポップに包まれた考察」という、より深いテーマが潜んでいます。「What Do We Look Like」は、クラブ向けのダイナミックなエネルギーを持ちながらも、OhNothingの世界観を特徴づけるメランコリー（憂鬱さ）を失っておらず、心の逃避と夜の躍動の両方に寄り添うサウンドトラックとなっています。

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Marek Johnson – “Carry Me”

Marek Johnsonは、音楽家David Helmによるプロジェクトで、サウンドとムードの源泉であると同時に「タイムトラベラーであり探検家」と表現されています。この度、Marek Johnsonは新シングル「Carry Me」をリリースしました。David Helmは、クジラがプランクトンを飲み込むように絶え間なく音楽的影響を吸収しており、その音楽は意識的な探求（古いピアノ曲を本を読むように演奏するなど）と無意識的な放出によって生み出されています。

Marek Johnsonの音楽から無意識に放出される要素は、聴く人々の様々なポップカルチャーの記憶を呼び起こすトリガーとなっています。これは、彼の創造主であるDavid Helmが、意識的および無意識的に取り込んだ多様な音楽的影響が、リスナーの個人的な経験と共鳴するためです。Marek Johnsonは、その豊かで多様な音源とムードを通じて、懐かしさと新しさが入り混じる独特な音の旅へとファンを誘います。

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IKAN HYU – side fx

「side fx」は、IKAN HYU（イカン ヒュ）のセカンドアルバムからの先行シングルであり、明るいレッドとピンクに象徴される新しい活動サイクルの始まりを告げる楽曲です。この曲についてメンバーのAnisaは、当初は特定の状況を想定して書き始めたものの、次第に人生におけるより広範な感情を体現していることに気づいたと語っています。その感情とは、「たとえ一人でなくても感じる孤独感、最も身近な人々から孤立している感覚」です。この親密さ（Intimacy）と距離（Distance）の間の緊張感はサウンドにも反映されており、「side fx」は遊び心とドライブ感を持ちながらも、曲全体に響くメランコリーによって特徴づけられています。

この「side fx」は、ニューアルバムの他のほとんどの曲と同様にウィーンでレコーディングされ、IKAN HYUのDIY（Do It Yourself）精神を色濃く反映しています。ジャケットのアートワークはメンバーのHannahが手掛け、全ての楽器をデュオ自身が演奏しています。また、レコーディングにはトランシーバー（walkie-talkie）がマイクとして使用されており、これはアルバムの他の楽曲にも登場するスタイル要素となっています。「軽やかさ（Lightness）と重さ（Heaviness）、希望（Hope）と無力感（Helplessness）」といった対立する要素を体現する「side fx」は、まさにIKAN HYUというデュオの本質を示しています。彼らは、異なるものが衝突するときにこそ、最も輝きを放ちます。

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Danny L Harle – Azimuth (feat. Caroline Polachek)

Caroline PolachekとプロデューサーのDanny L Harleが、ビデオゲーム『Death Stranding 2: On The Beach』のサウンドトラック収録曲「On The Beach」に続き、新曲「Azimuth」で再びタッグを組みました。Harleは、この曲が、以前から彼らが試みてきたPolachekのヴォーカルを彼の音楽に融合させるアプローチ、すなわち「トランス・セイレーン」の集大成であると説明しています。彼は、このアプローチの片鱗が『Pang』の「Insomnia」などにも見られるとしつつも、「Azimuth」で初めて自身のダンスミュージック・スタイルへと完全に昇華できたと感じています。

Harleは「Azimuth」を「トランス・バラード」と表現しており、そのメロディは「Carolineでなければ歌えなかった」と、Polachekの類稀なヴォーカルのために設計されたことを強調しています。彼はこの楽曲が「絶望的だが希望に満ちた」トーンを持ち、これまでにない形でスケール感、空間、静けさを探求できたと述べています。今年7月にはPinkPantheressとのコラボ曲「Starlight」もリリースしているHarleにとって、「Azimuth」は、彼のダンスミュージックとPolachekの繊細な表現力が交差する、深くパーソナルな楽曲となっています。

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Jaime Rosso – “Frames”

Jaime Rossoがリリースする新作EP『Away』は、彼がケント州の田舎からサウスロンドンへ移り住んだ経験からインスピレーションを得ています。このEPは、「移動と静止」「共同体と孤独」「都会の喧騒と沿岸の静けさ」という、対立する要素間の緊張感をテーマに探求されています。Jaimeは、「都市、関係、人生の章など、何かを後にするとき、可能性への高揚と喪失の憂鬱の両方を運ぶ。そのコントラストがEPの核心だ」と述べています。彼は、彼の二つの故郷――彼にとっての音、感覚、象徴――が音響的に出会う場所を探求するために、この二つの場所で、特徴的なハードウェアシンセサイザーとサンプルを多用する手法で楽曲を制作しました。ハウス、ソウル、ダブを基盤としつつ、サイケデリックなプロダクション・スタイルで唯一無二のサウンドに昇華されています。

EPの発表と同時にリリースされた先行シングル「Frames」は、豊かでソウルフルなキーボードとドラムビートが、Jaimeの柔らかなボーカルと複雑に重ね合わされた楽曲です。歌詞では、部外者として初めて体験したロンドンのナイトライフが、夢想的で内省的な視点で探求されています。Jaimeは、「クラブと音に包まれる感覚にすぐに惹かれた」と語る一方で、「新参者として、疎外感や自意識を感じていた」と説明します。彼は、クラブのルールを熟知し、容易に場を掌握する人々に畏敬の念を抱き、ストロボの下でまるでクラブが彼らのために作られたかのように動く姿に魅了されました。「真夏の夜の外出が持つ霞がかった雰囲気と相まって、そのイメージは忘れられないものとなった。『Frames』は、そのビジョンが頭の中でまだ渦巻いている間に書いた」と、楽曲が生まれた経緯を語っています。

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SSAANN – Channel (Can’t Handle)

ミルウォーキーを拠点とするドリームポップ／シューゲイザーバンド、SSAANNが、ニューシングル「Channel (Can’t Handle)」をリリースしました。この楽曲は、ドリームポップの最も心地よくポジティブな側面を体現しており、強いエレクトロニックな方向性を持ちながらも、シューゲイザーのギターと幽玄なボーカルがしっかりと存在感を示しています。特にサビでは、Purity RingとPastel Ghostが融合したような、魅惑的な存在感が波のように押し寄せてきます。

バンドによると、この曲は「未知の世界へ飛び込み、リスクを負うこと」がテーマです。「何も永遠には続かない。明日という新しい日がある。闇の後には光があり、光の後には闇がある。すべては波であり、すべてが調和し、自然に、完璧に押し引きする…まさにそうあるべきだ」というメッセージが込められています。豊かでリバーブ感のあるサウンドスケープの中で、ボーカルは時にパッドのように滑らかでふくよかであり、「All I know is I feel alive（私が知っているのは生きていると感じることだけ）」というフレーズに焦点が合う、夢のような雰囲気を醸し出しています。

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Purity Ring – “the long night”

エレクトロニック・ポップ・デュオのPurity Ringが、セルフタイトルとなる4作目のアルバムを本日リリースし、同時に収録曲「the long night」の公式ミュージックビデオを公開しました。このアルバムは、彼らのキャリアにおいて最も没入感のあるリリースであり、ボディ・ホラーのイメージとエーテル的なエレクトロニクスの融合という従来のスタイルから、ファンタジーへと焦点を移しています。『NieR: Automata』や『ファイナルファンタジーX』といったゲームからインスピレーションを得たコンセプト・アルバムとして制作され、壊れた世界の中でより優しい世界を築こうとする、mjとCorinを体現する二人のキャラクターの旅のサウンドトラックとなっています。これは単なる現実逃避のファンタジーではなく、脆弱な人々が耳を傾けられ、悲しみが共有され、希望と故郷が共に花開く場所を想像するという、禁じられた夢の最初の一歩です。

新作『purity ring』は、デュオがこれまでにないほど壮大で広がりを持ったサウンドを披露しています。Corinは、ヴィンテージのデジタルシンセ、クラシックギター、パンフルート、ブレイクビーツ、幽霊のようなボコーダーを駆使して、恍惚的で異世界のようなサウンドスケープを構築しています。一方、mjは、その独特な存在感を保ちつつ、新たなヴォーカル表現と、喜びと目まいのするような意識の流れを歌詞に解放しています。フォーカストラックの「the long night」は、不吉な予言のように響く2000年代のトランスシンセの上を、「I’ve been blacking out but I will come back changed.」という異世界からのような言葉が通り過ぎ、嵐の中の心拍数の鼓動のように私たちを慰めます。Grant Spanierが監督したミュージックビデオは、来たるPlace Of My Own tourで期待される、光と音が絡み合う超現実的な異世界へとステージを変貌させる、素晴らしいビジュアルを垣間見せています。

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Chinese American Bear – Blank Space (空白格)

Chinese American Bearが、Taylor Swift のアルバム 『1989』 からの楽曲 「Blank Space」 を特別にカバーしました。ヴォーカルの Anne は、デビュー以来の熱心なTaylor Swiftのファン（Swifty）であり、特にこの曲には、Taylorがトライベッカに住んでいた時期に自身もニューヨークで同じ時代を過ごしたという個人的な繋がりから深い思い入れがあります。Anneは「Blank Space」が『1989』の中で最も好きな曲であったため、今回のカバーを強く希望しました。このカバーは、長年のファンとしての愛情と、楽曲の持つ特別な背景が反映された作品となっています。

制作を担当した Bryce は、『1989』 のプロダクションの「ポップの黄金基準」としての完成度を高く評価しており、その中毒性の高いメロディーと、緻密に計算されたアレンジに魅力を感じていました。彼は、完璧な楽曲のカバー制作には緊張を覚えたものの、この挑戦がChinese American Bearの表現の幅を広げたと述べています。Anneの個人的な想いと、Bryceの音楽制作に対する分析的な視点が融合することで、オリジナル曲への敬意を払いながらも、彼ら独自の解釈と創造的な挑戦が詰まったカバー作品が完成しました。

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