KALI Trio – The Playful Abstract

KALIトリオのニューアルバム『The Playful Abstract』は、私たちが呼吸する空気のサウンドトラックと言えるかもしれません。この静謐で、移ろいやすく、時に超越的なレコードを繰り返し聴くと、「浮世」という日本語の連想も呼び起こされます。もともとは仏教と結びついた言葉で、信者がそこから解放されることを求める悲痛な、あるいは儚い地上を表していましたが、浮世は江戸時代の日本（1600-1867年）の、時にみすぼらしい都会のライフスタイルや文化を表すようになりました。現在では、浮世は人生の困難から切り離され、今を生きることを強調する心の状態として捉えられています。

この点で、このアルバムは驚くほどよくできたアルバム名と言えるでしょう。この質は、主に、この上なく自信に満ちた直感的な演奏によって達成されています。Nicolas Stocker（ドラム）、Urs Müller（ギター）、Raphael Loher（ピアノ）の3人のミュージシャンは、レコーディング・プロセスの一部となった「スタジオで音を探した」。ギタリストのUrs Müllerが説明するように、彼らのプロデューサーであるManuel Eggerとのセレンディピティも大きな助けとなりました。彼がレコーディング中に同時にミックスできるようにスタジオをセットアップしたんです。例えば、ドラムの音を強く圧縮したり、プリアンプで極端な歪みをかけたりすると、曲の演奏に対するアプローチが変わります。Manuelは、非常に音楽的な方法でエフェクトを使う、非常にクリエイティブなエンジニアです」。

バンドは2025年に結成10周年を迎えます。焦点を変えるにはいい時期です。ピアニストのラファエル・ローハー：「前作『LOOM』では作曲した曲を演奏しただけでしたが、今回は全く違う創作プロセスを選びました。新譜では、即興演奏を多用し、その中からスケッチを選び、リハーサルでさらに発展させました。スタジオでは、またゼロからプロセスを開始し、多くの素材を直接即興で演奏し、そこから直接作曲を発展させました。

このアルバムのレコーディング・プロセスは、カリ・トリオにとっても、音楽的な交流の新しい方法を紹介するという意味で、重要な鍵でした。ドラマー、ニコラス・ストッカー：「私たちは皆、「一歩踏み出す 」必要がありました。明確な音楽構造から距離を置き、音楽が新しい方法で感情的になるようにしました。作品もかなり短くなりました プレイフル・アブストラクト』を一聴すると、確かにミニチュアのワークアウト集と言えるかもしれません。曲は短いものが多く、3分のものもかなりあり、5分を超えるものもいくつかあります。また、多くの曲は予想外のところで止まっており、大きなエンディングにつきものの威勢やエゴはまったくありません。レコーディングに16日間、ミキシングに10日間を費やし、バンドは「これまでで最も野心的」と評価。

オープニング・カットの「Organelle」は、Atem時代のTangerine Dreamを彷彿とさせる、夢のように泡立つOrganelleのシンセ・パートで登場。ギターのエフェクトがパターンを織りなし、パーカッションが穏やかな鼓動を奏でます。キーはマイナーで、鍵盤が奏でるメロディラインは控えめ。表面的なエフェクトが暗示するのは、物事が長続きしないこと。時計仕掛けのおもちゃのように、ゆっくりと音を消していくような終わり方。この曲はシンプルなアミューズ・ブーシュのような役割を果たしており、「Organelle」は聴き手を受容的な気分にさせ、来るべき広い展望を探るためにあるのです。

4K Gently Peaceful」では、円形のリフがリズミカルな瞑想を導入し、きらめくギター・エフェクトのうねりと反復する虹色の洗礼された音の上に構築。パーカッションはひたすら叩き続け、時折フィルがビートを刻み、この曲の特徴でもある躍動感をキープ。時にはアンビエント、アルト・クラシックの領域にも入り込みそうなサウンド。突然のドロップと、1つのコードで奏でられるサスペンスは、音楽にメランコリックな角度をもたらします。また、フェードとしても機能。全体を通して、エーテルの中を漂っているような感覚は決して遠いものではありません。

Cascading」は一組の音符の上を飛び回り、決められた3分間そうし続けます。このトラックは聴き手をハラハラさせ、浮世という言葉の現代的な用法である、日常の雑事から切り離された瞬間を生きるという考えを呼び起こします。しかし、その背後では、いくつかのスクラップがパターンを形作り、また別のテンポを刻んでいます。次第に、パーカッシブでないさまざまな要素によって、時間やテンポに対するさまざまな感覚が呼び起こされていることに気づかされます。

mos3」のピアノのプリンプリンという音は、トマガのLP『Intimate Immensity』のあるパッセージを思い起こさせます。安定したリズムの上でギターがトリルし、その存在感が増しているためか、より広く、よりダークな風景が呼び起こされます。確かにこの曲には、冒頭のトリオのようなクリスタルのような雰囲気はありません。しかし、ここでも突然のエンディングの後、私たちは何も手にすることができません。

Blue Nileの「Hats」のようなメランコリックなピアノ・パートから始まる「Eon」。この曲は間奏曲として機能し、霧に包まれた風景をぼんやりと見つめているような感覚を遠ざけることはない。テンポ、音色、質感の段階的な調整が主な原動力。メロディーは抑えられ、パーカッションの音色が強調されます。このトラックは、不注意なリスナーの足を踏み外すような、オフビートのような感じで、すぐに終わりを迎えます。

Bendings」は、準備されたピアノの音とパーカッションの掛け合いによる音遊びの後、馬の歩みに似ていないリズムの安定したグルーヴに落ち着きます。ギター・パートは、耳をつんざくようなノイズとともに、その側面を削っていき、ピアノのベースがサブリミナル的な底流を加えます。

アルバム最長のトラック「Field」は、抑制の効いた素晴らしい作品。60年代後期のプログレッシブ・ロックの雰囲気が漂うこの曲は、特に冒頭で、ピアノのE-Bowsを使ったドローンが、ギターの音がメロディを奏で始めるまで続きます。慌ただしさはなく、熱気球が空に昇っていくのを眺めているような音楽。ゆっくりとビートがパターンを刻み始め、ギターのグリッサンドとますます存在感を増すビートによってプレッシャーが高まっていきます。そして、『The Playful Abstract』に収録されている他の多くの作品と同様、パーカッションの最後の数回のタップによって、その記憶は生かされたまま、トラックはすぐに視界から消えていきます。

ラスト・トラック「Flux」は、「Organelle」で始まったレコードの対極として機能し、抽象的なメロディーが、ギターによって選ばれた蒸し暑いコードと私たちの注意を争います。この曲は4分近く続くのですが、演奏の風通しの良さから、あっという間に終わってしまう感じです。本当にこの音楽は、私たちが知っていると思っていることを、その正反対に変えてしまう、だまし、惑わすためにあるのです。まさに浮遊する世界。