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アテンション・エコノミーへの拒絶とコミュニティの再接続──The Sick Man Of Europeが、強度を増したマシンリズムと新たな旋律美で鳴らす洗練されたポストパンクの新境地

ロンドンのポストパンク・バンドThe Sick Man Of Europeが、ニューアルバム『The Intermittent Signal』を9月25日にリリースすることを発表し、その幕開けを告げるリードシングル「Negative Stimuli」を公開しました。本作は、昨年リリースされたセルフタイトルのデビューアルバムからわずか1年という短いスパンで届けられる新作です。混迷を極め、日々深刻さを増していく世界に向けて、現代のアテンション・エコノミー（関心経済）への拒絶を突きつけ、コミュニティや組織を通じた人間的な再接続を呼びかける、強烈な「抵抗の響き」が込められた作品となっています。

リードシングルである「Negative Stimuli」は、アルバムが持つ急進的なメッセージを最初に提示する重要な1曲です。この楽曲は、1970年代後半にイタリアのボローニャから政治的アクションを発信し、シチュアシオニストやダダから影響を受けたカウンターカルチャーの自由ラジオ局「Radio Alice（ラジオ・アリス）」の精神から着想を得ています。静電気やノイズの隙間から明晰さと強い確信が真に響き渡る、生々しく刺激的なサウンドスケープが構築されています。

アルバム『The Intermittent Signal』全体を通じて、バンドは前作で見せた最小限の骨組みによる簡素なアプローチを超え、より拡張的で没入感のある音楽性へと進化を遂げています。反復の技法を再学習し、マシンのリズムをさらに強度を増して転用しながらも、随所に新たな旋律の美しさを宿しているのが特徴です。かつては当たり前だったシンプルな繋がりが急進的な意味を持つ現代において、壊れたシステムを刷新しようとするユートピア的な思想と切迫したメッセージを、洗練されたポストパンク・サウンドに乗せて鳴り響かせています。


newwave postpunk Song synth Video

The Sick Man Of Europe – “Negative Stimuli”

ロンドンのポストパンク・バンドThe Sick Man Of Europeが、ニューアルバム『The Intermittent Signal』を9月25日にリリースすることを発表し、あわせてリードシングル「Negative Stimuli」とそのビデオを公開しました。本作は、昨年リリースされたセルフタイトルのデビュー作に続くプロジェクトであり、現代のアテンション・エコノミーへの拒絶と、コミュニティや組織を通じた再接続を呼びかける「抵抗の響き」として位置づけられています。バンドは、反復によってメッセージが重みを増し、より切迫したものへと進化したと語っており、前作の簡素なアプローチを超えた、より拡張的で没入感のあるサウンドを提示しています。

その幕開けを飾るシングル「Negative Stimuli」は、1970年代後半にイタリアのボローニャから放送され、シチュアシオニストやダダから影響を受けながら政治的アクションを展開したカウンターカルチャーの自由ラジオ局「Radio Alice（ラジオ・アリス）」の精神から着想を得ています。公開されたビデオとともに届けられるこの楽曲は、ノイズや反復するマシンリズムのなかに明晰な確信を宿し、壊れたシステムを作り直そうとするバンドの急進的なメッセージを象徴する、生々しく刺激的な映像・音楽作品に仕上がっています。


dance mathrock screamo Song synth

Spring Breeding – “Gargantuan”

ネバダ州ラスベガスを拠点に活動する3人組エレクトロニック・ハードコアバンドSpring Breedingが、待望のニューシングル「Gargantuan」をリリースしました。彼らは2000年代のサスコー（sasscore）やマスロック（The Locust、An Albatross、Lightning Boltなど）から強い影響を受けており、「もしギターをすべて歪んだシンセサイザーに置き換えたらどうなるか？」というコンセプトを掲げています。Caress SilveriiとDustin Scottが鳴り響かせる強烈なシンセサイザーと、Tyler Gutlebenによるハイパーなブラストビートや必死に叫ぶボーカルが融合し、思わず身体を動かさずにはいられない熱狂的でダンス要素の強いグルーヴを生み出しています。

本作「Gargantuan」は、彼らにとって4年ぶりのアルバムであり初のヴァイナル作品となる10インチEP『Backflip Soundtrack』からのシングルカットです。これまでに6本のカセットテープを自主リリースし、全米ツアーや様々な実力派バンドとの共演を経て、バンドはギターとベースを排除した現在の3人組編成へと進化を遂げました。カウベルを交えた高速ドラムや、変則的なサンプリング、そして叫びが入り混じるカオティックなサウンドの底には、ノーウェーヴにも通じる独特な変則的センスが息づいており、ハードコアやスクリーモの新たな可能性を提示する刺激的な1曲に仕上がっています。


dance mathrock News screamo synth

ギターを排除した3人組Spring Breedingの真骨頂！凶暴なシンセノイズと爆速ビートが融合した最狂の変則ダンスグルーヴ

ネバダ州ラスベガスを拠点に活動するエレクトロニック・ハードコアバンドSpring Breedingが、ニューシングル「Gargantuan」をリリースしました。彼らは2000年代のサスコー（sasscore）やマスロック（The Locust、An Albatross、Lightning Boltなど）から強い影響を受けており、「もしギターをすべて歪んだシンセサイザーに置き換えたらどうなるか？」という特異なコンセプトを掲げています。Caress SilveriiとDustin Scottが鳴り響かせる強烈なシンセサイザーと、Tyler Gutlebenによるハイパーなドラミングや必死に叫ぶボーカルが融合し、思わず身体を動かさずにはいられない熱狂的なダンスグルーヴを生み出しています。

シングル「Gargantuan」を含む新作アルバム『Backflip Soundtrack』は、彼らにとって4年ぶりのアルバムであり、初のヴァイナル（10インチ盤）としてリリースされる記念すべき作品です。これまでに6本のカセットテープを自主リリースしてきた彼らは、全米ツアーや数々の実力派アーティストとの共演を重ねる中で、ギターとベースを排除した現在の3人組へと編成を変化させてきました。かつてのポストパンク的なアプローチから、よりタイトで怒りに満ちた強力なエレクトロ・サスコーへと深化を遂げたバンドの現在地がここに提示されています。

アルバム全体を通じて、彼らはハードコアやスクリーモの枠組みを拡張するような独自の挑戦を続けています。カウベルを交えた高速のブラストビート、ジャンクな自作サンプリング音、そして感情を剥き出しにしたシャウトの応酬の底には、ノーウェーヴの奇才たちにも通じる一筋縄ではいかない変則的なセンスが息づいています。このシングルとアルバムは、容赦なく押し寄せる狂気的なエネルギーとともに、アグレッシブな最先端のエクストリーム・ミュージックとしてシーンに強烈なインパクトを与えています。


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Aisha Vaughan – “The Water”

ウェールズの音楽家 Aisha Vaughan の新作ミニアルバム『Water World』からのシングル「The Water」のミュージックビデオ（Max Blomfield 監督）は、楽曲のインスピレーションの源である環境と彼女のパフォーマンスが美しく融合した映像作品です。本作が書き下ろされた地である「ワイ川（River Wye）」の様々なセクションの風景と、Aisha のパフォーマンス映像をレイヤー状に重ね合わせることで、予想もしない神秘的なビジュアルの変化を生み出しています。映像が展開するにつれて、川の水面がまるで異世界への「境界線（しきい値）」であるかのように機能し、あたかも未知のポータル（扉）が目の前に現れるかのような、ドリーミーで催眠的な感覚を視覚的にもたらします。

この映像の世界観は、Aisha がアルバムのアートワークなどで披露している、白いドレスを身にまとい穏やかな湖に佇むソフトフォーカスなビジュアルとも完璧にシンクロしています。ウェールズの山奥にある改造納屋のスタジオで録音された、自然界のフィールドレコーディング（鳥の声や風の音など）とエセリアルな歌声、そして流麗なアルペジオを奏でるハープやシンセサイザーの音響。それらすべてが映像のレイヤーと重なり合うことで、彼女が「生命そのものの根本である」と語る神秘的な「水」の世界へと、聴き手を優しく引き込んでいく美しく繊細な映像美に仕上がっています。

electronic psychedelic Song synth Video

Another Dancer – “Hollywood”

ブリュッセルを拠点に活動するアートロック・バンド、Another Dancer の新曲「Hollywood」は、彼らが紡ぐ風変わりで愛おしいDIYポップの世界観をさらに推し進めたシングルです。80〜90年代のアンダーグラウンドなインディーロックからの影響を色濃く残しつつ、どこか神経質でいて人懐っこい、宅録感（テープ・ヒス）のある歪んだサウンドスケープが特徴です。公開されたミュージックビデオは、バンドが持つローファイかつローカルな混沌とした美学をそのまま映像に落とし込んだような仕上がりで、彼らのユーモラスでどこかシャイなキャラクターを視覚的にも浮かび上がらせています。

この「Hollywood」は、2026年10月にベルギーのAguirre RecordsとフランスのBruit Direct Disquesから共同リリースされる彼らの待望のニューアルバム『The Plot』からの先行カットとなっています。前作『I Try to Be Another Dancer』で見せた、ノイズや実験的なアプローチの隙間から不意にこぼれ落ちるひねくれたポップ・マスタリー（極上のメロディ）は今作でも健在です。秋のアルバム本編への期待を大いに高めてくれる、どこかノスタルジックでいて最高に新鮮なインディー・アンセムに仕上がっています。

indiepop postpunk Song synth

abracadabra – “face card”

オークランドを拠点に活動する Hannah Skelton と Chris Niles からなるデュオ、abracadabra のシングル「face card」は、彼らの極めて親密な新作EP『peel away』の核心を担うリード・シングルです。この楽曲は、彼らの代名詞であるサイケ・ポップ、レフトフィールド・エレクトロニクス、ダブ風味のグルーヴ、そして遊び心あふれる音の実験をブレンドしたサウンドスケープを展開しています。Talking Heads や ESG、Stereolab といった偉大な先人たちのエコーを響かせながらも、角張ったシンセラインや心地よいパーカッション、幾重にも重なるボーカル・アレンジによって、手作り感と壮大な広がりが同居する独自の世界観を構築しています。

歌詞の面において「face card」は、自力で成し遂げた成功という現代の神話に対して鋭い疑問を投げかける、非常に自己省察的な作品です。特権や運、豊かさの本質を見つめ直す本作について、Hannah Skelton は「自分が手に入れたものすべてを、本当に自分一人の力で勝ち取ったと思っていて、それをすべて自分だけのものにしておくべきだと考えているの？」という問いかけが込められていると語っています。宿命的な恩恵を授かった人々がそれをより大きな規模で還元し、ともに豊かな世界を育てていこうという、静かで急進的な希望と抵抗のメッセージが、歓喜に満ちた共同体の音楽体験へと見事に昇華されています。


electro synth Track

Dagerlöff – “Laser Eyes”

Dagerlöff のシングル『Laser Eyes』は、フランスを拠点に活動するアーティストが名門エレクトロニック・レーベル「Tigersushi Records」から2026年6月にデジタルリリースしたトラックです。Dagerlöff はこれまでに1922年のサイレント映画『魔女（Häxan）』のリスコア（新伴奏音楽）を手掛けるなど、ダークでシネマティックなデジタル・シンセシスや実験的なサウンド構築で知られていますが、本作でもその独自の音響美学が遺憾なく発揮されています。

本作は、近未来的なシンセサイザーの質感と、どこか不穏でエッジの効いたエレクトロニック・サウンドが融合した一曲に仕上がっています。Tigersushi レーベルらしいアヴァンギャルドかつフロアライクな感性をベースにしながらも、リスナーをスリリングなSFの世界へと引き込むような、緻密で緊張感のあるトラックメイクが特徴的なシングルです。


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Speaker Music – “Dhalgren (Nihilism is Not Enough)”

DeForrest Brown Jr.によるプロジェクト「Speaker Music」は、Planet Muレーベルからの最終作となるアルバム『Synoptic Audio』を今夏にリリースします。本作は、ブラック・エレクトロニック・ミュージックの先駆者であるドン・ルイスの革新的なシステムや、TR-808、DX7といった名機にインスパイアされた、聴き手に音楽システムのあり方を問いかける「理論先行型」の作品です。iPadやMacBook、ミキサーを用いたポータブルなワークステーションにより、自身のルーツであるマーチングバンドの経験（トランペットやチューバ）と、テクノ、トラップ、フットワークといった現代の電子音楽のビートを融合させた、ライブ感あふれる即興演奏が展開されています。

従来のDAW（デジタル・オーディオ・ワークステーション）によるデータ圧縮された楽曲とは異なり、本作ではライブ空間が持つ特有の「響き」の再現に焦点が当てられています。2024年から2025年にかけて、EMPACやリビー・レシュゴールド・ギャラリーのレジデンスで行われた音響実験では、アンビソニックス（立体音響）のモーションキャプチャ技術を採用しました。マイルス・デイヴィスのエレクトリック期やA Guy Called Geraldの『Black Secret Technology』に見られる「スタジオを一つの楽器として捉える」アプローチを踏襲し、ポストプロダクションでの編集やオーバーダビング、空間音響の操作が楽曲の核となっています。

録音プロセスでは、人間の耳と全く同じ環境で3D音響を捉えるダミーヘッドマイク（Neumann KU 100）や、4台のジェネレックスピーカーとサブウーファーを配置した360度アンビソニックマイクが使用されました。壁や天井が音に与える影響、フィードバック、歪み、位相の打ち消し合いといった現象をあえて排除せず、商業的な最適化から解き放たれた「音そのものの振る舞い」を分析・表現するためのツールとして活用しています。完成された楽曲として完結させるのではなく、音が空間を移動し、人間の身体に衝突するダイナミズムを捉えることで、音楽を常に変化し続ける有機的なものとして提示しています。


ambient electronica News synth Video

燃え尽きから再生へ、自身の「内なる炎」を音に刻む――Tony Njokuが新作EP『A World of Bodies on Fire』で辿り着いた、感情の吐息と静かなる啓示

Tony Njokuは、6月12日にリリースする新作EP『A World of Bodies on Fire』の発表とともに、タイトル曲を先行公開しました。前作『All Our Knives Are Always Sharp』で精神的な生存や文化的抵抗といったテーマを扱った彼ですが、本作ではその視点を内面へと向け、身体、自己、そして環境の間に揺れ動く境界線を模索しています。電子的な抽象性とシネマティックな構成を軸にした、全4曲のインストゥルメンタル作品です。

制作背景についてTony Njokuは、燃え尽き症候群や失望を経験した後の怒りや悲しみを解放するプロセスであったと語っています。本作は、彼にとって「激しい吐息」や「静かな啓示」のようなものであり、自分の中に溜まっていた炎の中を突き進み、感情を吐き出すことを目的として生まれました。溢れ出る感情と瞑想的な調べが交錯する、極めてパーソナルで情熱的なEPとなっています。


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