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HMLTD – “I Used To Ride In Limousines”

ロンドンを拠点に活動するHMLTDが、10月23日にLucky Numberよりリリースするニュー・アルバム『FANGS』からの先行シングル「I Used To Ride In Limousines」を公開しました。2023年の壮大なロック・オペラ『The Worm』で見せたオーケストラ編成から一転、本作ではEBMやレイヴ・シンセ、ゴス、ブラック・メタルの要素をAbleton上で融合させた独自のサウンド「ÜberGöth（ユーバーゴス）」を展開。ロワール渓谷の廃城で制作された退廃的かつ凶暴な音像に乗せて、「成功と失敗」をテーマに、生産性や承認欲求に縛られた現代的な価値観を拒絶し、失敗の中に解放と真の自己価値を見出す切実な哲学を歌い上げています。

フロントマンのHenry Spychalski自らが監督を務めたミュージック・ビデオは、楽曲が放つ歪んだ美学と『FANGS』のコンセプトである「デジタル・ホラー」や「吸血鬼の退廃」を見事に視覚化した映像作品です。シュールで挑発的なビジュアル表現と、エレクトロニックな狂騒感が目まぐるしく交錯。自己の崩壊と再定義という過激なメッセージをダークなユーモアとともに描き出し、アヴァンギャルドなポップ・スターとしてのHMLTDの異彩と、新たなフェーズへの完全なる変貌を強烈に示しつける圧倒的な仕上がりとなっています。


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一度全消去した過去を越え、HMLTDが提示する衝撃の新境地『FANGS』――レイヴとゴスの破滅的融合「ÜberGöth」で描く、消費社会への反抗と「失敗」からの解放

ロンドンを拠点にアヴァンギャルドなポップ・シーンを牽引するHMLTDが、10月23日にLucky Numberよりリリースする待望のサード・アルバム『FANGS』を発表しました。2023年の壮大なロック・オペラ『The Worm』発表後、一度は完成させたアルバムを「安全で保守的すぎる」として全消去し、ゼロからのDIYアプローチで再構築された本作。ロワール渓谷の廃城での隔離生活の中で生まれたサウンドは、オーケストラからAbletonへと移行し、EBMやレイヴ・シンセ、ブラック・メタル、ブログ・ハウスを凶暴にブレンドした新ジャンル「Götherdammerüng（またはÜberGöth）」を確立。後期資本主義下における「消費に囚われた現代人の吸血鬼化（Vampirism）」やクラブ・カルチャーの退廃をテーマに掲げ、ゴスというジャンルを現代のエレクトロニック・ダンス・ミュージックの鏡を通して劇的に再定義した極彩色の問題作となっています。

アルバムの全貌を告げる先行シングル「I Used To Ride In Limousines」は、こうした作品全体の壮大なコンセプトと音像をストレートに体現したトラックです。かつてのクラシックなゴスやEBMのパイオニア精神を受け継ぎながら、強烈なサイドチェーンの効いた4つ打ちビートとレイヴ・シンセ、そしてグロウルが激しく交錯。リリックでは「成功と失敗」の本質に切り込み、生産性や承認欲求によって人間の価値を測ろうとする現代社会の道具主義的なシステムを拒絶。「失敗」の中にこそ存在する解放と真の自己定義を見出すという、歪みつつも凛とした哲学が力強く歌い上げられています。

ダンスフロアの快楽と歌詞がもたらす恐怖や歪みが背中合わせに存在する本作は、ただ聴き手を踊らせるだけでなく、享楽の裏に潜む虚無を暴き出すトロイの木馬のような毒と刺激に満ちています。自己肥大化した現代カルチャーに対する鋭烈な批判でありながら、その陶酔感自体の美しさにも身を投じるHMLTDならではの美学が凝縮。『FANGS』と「I Used To Ride In Limousines」は、アヴァンギャルドな挑発者としての彼らの本領を発揮し、2020年代のオルタナティヴ・シーンに強烈な衝撃を与える傑作の誕生を予感させます。


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HMLTD – “Blitzkrieg”

ロンドンのカルト的アート・パンク・コレクティヴ HMLTD が、約3年ぶりとなる待望の新曲「Blitzkrieg」をリリースしました。前作『The Worm』で見せた前衛的なチェンバー・ロックから一変、Machine Girl や Femtanyl を手掛ける Nicos Kennedy がミックスを担当した本作は、激しいテクノ・ビートが炸裂する攻撃的なトラックに仕上がっています。彼らが「GÖTHERDÄMMERUNG（神々の黄昏ならぬ、ゴスの黄昏）」や「ÜberGöth」と呼ぶ独自の概念のもと、ヴァンパイアや魔女がドイツのナイトクラブに巣食い、過度に進んだテクノ資本主義の加速に混乱をもたらすかのような、過激な実験性と反逆精神に満ちたハイテンションな楽曲です。

あわせて公開されたオフィシャル・ミュージック・ビデオは、ゴス美学とドイツの過酷なレイヴ・カルチャーに着想を得て制作されました。ロンドンが巨大なワームに飲み込まれた前作の物語から3年を経て、ヴァンパイアとして地上に帰還したメンバーの姿をダークかつ刺激的な世界観で描いています。Theo Spark と Andrei Martynchyk を迎えた新体制のお披露目ともなる本作は、彼らの原点であるラディカルな表現と挑発的なアティチュードを鮮烈に印象付ける映像作品となっています。


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25年の沈黙を破りグラスゴーの伝説が再集結！ ミットフォード姉妹の悲劇からピンチョンまでをポストパンクに昇華した、The Yummy Fur 渾身の先行シングル「Unity Over Europe」が遂に解禁

スコットランド・グラスゴー出身のポストパンク・バンド The Yummy Fur が、実に25年ぶりとなるニューアルバム『Everybody Talks About the Weather』（Upset The Rhythm より9月24日リリース）から、先行シングル「Unity Over Europe」を発表しました。フロントマンの John McKeown、ギタリストの Brian MacDougall、そして Franz Ferdinand のメンバーとしても知られるドラマーの Paul Thomson というオリジナルの核心トリオが再集結。本作は、ミットフォード姉妹（ダイアナ、ユニティ、ナンシー）の悲劇的な伝記ディテールをベースに、作家トーマス・ピンチョンや画家フランシス・ベーコンへのオマージュを衝突させた「狡猾で複雑な二幕物の演劇」のような構造を持っており、バンドの健在ぶりを鮮烈に印象づける鋭利なナンバーに仕上がっています。

彼らのニューアルバム『Everybody Talks About the Weather』は、アート、神話、現実の人生、そして幻想の情景をハイペースでめくっていくような、官能的で曖昧さに満ちた全10曲が収録されています。アルバム制作中、John McKeown はスーザン・ソンタグのエッセイ『解釈に抗して』に影響を受けており、その思想は収録曲「Semolina Ballerina」などにも反映されました。意味を安易に平坦化することを拒み、芸術的な曖昧さを肯定する彼らのスタンスが、削ぎ落とされたミニマルなパンク・サウンドと見事に融合。かつて90年代に見せたカートゥーン的なポップさから、ブライアン・イーノやジョン・ケイルを彷彿とさせる不気味で緊迫感のある音響まで、バンドの全キャリアを有機的なコラージュ素材として昇華した傑作となっています。

アルバムの全編を通じ、カルチャーへの多弁な言及が「奇妙で、セクシーで、可笑しく、そして不条理な」ポップ・ソングへと鮮やかに変換されています。映画監督バーバラ・ローデンの生涯を前衛的な批評性とともに描いた「Wanda」や、バンドの90年代のインナーサークルを描いたタイトルトラックなど、一筋縄ではいかない楽曲が並びます。アルバムのカバーアートは、近年のシングル「New T-Shirt」も手がけた画家の Mac McNaughton が担当しており、夢の中の美術館で見るイメージのように、様々なスタイルやレファレンスが不気味に融合したビジュアルで本作の世界観を補完しています。最後は彼らにしては極めて珍しい、暗闇の後に窓を開け放つような瑞々しい光を感じさせる「Say Hello」で幕を閉じるという、予測不可能な彼ららしい最大のサプライズが用意されたアルバムです。

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The Yummy Fur – “Unity Over Europe”

スコットランド・グラスゴー出身のインディ・ロックバンド The Yummy Fur が、25年ぶりとなるニューアルバム『Everybody Talks About the Weather』（Upset The Rhythm より9月24日リリース）から、先行シングル「Unity Over Europe」を発表しました。オリジナルメンバーである John McKeown、Brian MacDougall、Paul Thomson のトリオによってレコーディングされた本作は、バンドが得意とする文化的リファレンスが複雑に爆発したナンバー。ミットフォード姉妹（ダイアナ、ユニティ、ナンシー）の悲劇的な伝記ディテールをベースに、作家トーマス・ピンチョンや画家フランシス・ベーコンへのオマージュを凝縮した「狡猾で複雑な二幕物の演劇」のような構造を持っており、彼ららしい鋭く知的なポストパンク・サウンドを展開しています。

同時に公開されたビデオを含む本作のクリエイティブは、アルバムの持つ「アート、神話、現実、幻想がハイペースに交錯する万華鏡のような世界観」をダイナミックに表現しています。長年バンドのビジュアルを手がけてきた画家 Mac McNaughton によるアートワークとも共鳴するように、映像では夢の中の美術館に迷い込んだかのような、シュールで一筋縄ではいかない不気味な美学を提示。ポップでありながらもセクシーで不条理、そしてどこか危険な香りを漂わせる The Yummy Fur 独自のインディ・ロック・シアターを見事に構築しています。

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1960年代のモッド・エラと現代のパンクが交錯する！独自の美学を貫く3人組 Perennial が放つ、待望のニューアルバム『Modernism』と極上のサイケ・ポップな先行シングル

ニューイングランドを拠点に活動するモッド・ダンス・パンク・トリオ Perennial が、ニューアルバム『Modernism』を9月18日に Ernest Jenning Record Co. からリリースすることを発表しました。2024年のブレイクスルー作『Art History』に続く本作では、再びプロデューサーの Chris Teti（The World Is A Beautiful Place and I Am No Longer Afraid To Die）とタッグを組んでいます。1960年代のモッド・エラを彷彿とさせるボーダーTシャツの衣装など、非常に独特なオーディオ・ビジュアルの美学を持つ彼らの、より進化したサウンドが詰め込まれた作品です。

アルバムからの第1弾先行シングルとして、中毒性の高いキラーチューン「What’s New On The Beat Scene」が公開されました。ノーザン・ソウルやそこから影響を受けたパンク・バンドに敬意を表したタイトルを持つこの楽曲は、Booker T. & The MGs や The Beatles の『Rubber Soul』のようなシャープなグルーヴとキャッチーなサビがベースになっています。そこにファズ・ベースやメロトロン、ワウ・ペダルを通した Vox オルガンといったサイケデリックな要素を実験的に加算・減算しながら作り上げられた、タイトでスウィングするポップ・ソングです。

このシングルは、切れ味鋭いギターリフや一緒に叫びたくなる歌詞、そしてタンバリンを振り鳴らすようなエネルギッシュさに加え、印象的なオルガンのフレーズが炸裂する、まさにバンドの真骨頂と言える仕上がりです。彼らは「1960年代が2000年代初頭に崩壊し、現代にロックンロールの暴動を起こしたような」往年の魅力に満ちた新サウンドを携え、アルバムリリース直前の9月17日に行われるブルックリンの Union Pool 公演を皮切りに、今秋の大規模なツアーへと乗り出します。


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Perennial – “What’s New On The Beat Scene”

ニューイングランドを拠点に活動するモッド・ダンス・パンク・バンド Perennial が、9月18日に Ernest Jenning Record Co. からリリースするニューアルバム『Modernism』に先駆け、先行シングル「What’s New On The Beat Scene」を発表しました。ノーザン・ソウルやそこから影響を受けたパンク・バンドへのオマージュが込められたこの楽曲は、Chris Teti（The World Is A Beautiful Place and I Am No Longer Afraid To Die）がプロデュースを担当。Booker T. & The MGs や The Beatles の『Rubber Soul』を彷彿とさせるシャープなグルーヴとキャッチーなサビをベースに、ファズ・ベースやメロトロン、ワウ・ペダルを通した Vox オルガンなどを贅沢に盛り込んだ、タイトでサイケデリックなポップ・ナンバーに仕上がっています。

楽曲のリリースとあわせて公開されたミュージックビデオは、バンドの持つエネルギッシュでスタイリッシュなモッド・ダンス・パンクのアティチュードを視覚的にも体現した作品となっています。この中毒性の高いキラーチューンを引っ提げ、彼らはアルバムのリリース直前となる9月17日のブルックリンの Union Pool 公演（Oceanator と共演）を皮切りに、今秋の大規模なツアーへと乗り出す予定です。


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Guiding Light – “Shackled By Lust”

2026年8月21日にPost Present Mediumからリリースされるニュー・アルバム『Fear On My Own Time』から、待望の先行シングルが公開されました。奇跡的な出会いを果たしたElise Cookのヴォーカルと、John Morales、Rachel Kirk、Charles Powellらが同じ部屋で鳴らす鋭利なアンサンブルはさらに進化を遂げており、失恋の内省からファシズムへの反抗へとスケールを広げていくアルバムのメッセージ性を、切迫感あふれるポストパンク・サウンドに乗せて鮮烈に提示しています。

楽曲と同時に公開されたミュージックビデオは、Adam TarangoとOlivia Garnerが撮影を担当し、Olivia Garnerが編集を手がけました。映像にはAby OviedoとJay Dilickに加えてGuiding Lightのメンバー自身も出演しており、怒りを原動力にエネルギーへと昇華していく楽曲の緊迫した世界観を、エッジの効いたDIYな映像美で見事に視覚化しています。


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奇跡の出会いから生まれたポストパンクの新鋭Guiding Lightが、半年間の空白を飛び越える圧倒的な緊迫感を孕んだニュー・アルバム『Fear On My Own Time』のリリースを発表！

インストゥルメンタルとして活動していたGuiding Lightの演奏陣が、Elise Cookにヴォーカルを依頼した奇跡的な出会いからバンドの物語は始まりました。現在では、John Moralesによる精緻でジャングリーなギター、Rachel Kirkの鋭いベース、Charles Powellの強烈なドラム、そしてElise Cookのメロディが同じ部屋で生み出されています。2026年8月21日にPost Present Mediumからリリースされるニュー・アルバム『Fear On My Own Time』は、6ヶ月の期間を空けた2回のセッションで録音されたにもかかわらず、全編に圧倒的な切迫感とエネルギーが漲る作品に仕上がっています。

本作のナラティブは、失恋への内省から人間関係の本質、さらには社会的な問題へとスケールを広げていきます。自己批判や混乱、剥き出しの誠実さを経て、アルバムの終盤を飾る最後の2曲はファシズムへの反抗の叫びへと昇華。打ちのめされた私たちが、自らの脆弱さ（弱さ）を受け入れられないことでいかに分断されていくかを描き出します。バンドの慣習であるドイツ語が分からなくても、今作に初めて収録された英訳歌詞「檻の中で、私たちは共にしか鍵を見つけられない」という言葉が、その切実なメッセージを伝えてくれます。

アルバムからの先行シングルとして公開された本作のミュージックビデオは、Adam TarangoとOlivia Garnerが撮影を担当し、Olivia Garnerが編集を手がけました。映像にはAby OviedoとJay Dilick、そしてGuiding Lightのメンバー自身が出演しており、彼らの鋭利なポストパンク・サウンドが持つ緊張感と世界観を視覚的に表現した映像作品となっています。


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Artificial Go – “Jane Ate The Apple Seed”

シンシナティを拠点に活動するロックンロール・コンボ、Artificial GoがCarpark Recordsからリリースした待望の新作7インチ・シングルは、バンドの緩やかでありながらも急速な進化を示す1枚です。メンバーのAngie Willcutt（Vo）、Cole G Patrick（Dr）、Ryan Sennett（Gt）、Micah Wu（Ba）の4人は、ライブ時とは異なりレコーディングでは柔軟に楽器を入れ替える自由なスタイルをとっています。2枚のアルバムと精力的なツアーを経て届けられた本作には、跳ねるようなギターと躍動的なベースラインがダンスフロアへと誘うA面曲「Triple Ones」と、メンバーが担当楽器をスイッチし、オートハープを弓で奏でるなどして神秘的なトランス空間を作り出したB面曲「Jane Ate The Apple Seed」の対照的な2曲が収録されています。

本作のサウンドは非常に楽しく魅惑的である一方、Angie Willcuttが綴る歌詞はシリアスな感情に深く根ざしています。「最も露骨に怒りを表現した」と語る「Triple Ones」では組織のトップに搾取される人間のフラストレーションを描き、メンバーが共同生活を送る家の地下室でのジャムから生まれた「Jane Ate The Apple Seed」では、誰もが知る寓話の裏に隠された物語をミステリアスに描き出しています。世界に対する怒りや不満をあえて喜びとダンスへと昇華させる、彼らの好奇心に満ちた表現の探求が凝縮された作品です。


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