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Built to Spillのベーシスト Melanie Radfordが贈る、ツアーの合間に綴られた自己との対話。異国の街歩きと日常の断片をベースの旋律で編み上げた、極めて親密なソロデビュー作

Built to SpillやBlood Lemonでの活動で知られるベーシスト兼ヴォーカリスト、Melanie Radfordが、ソロデビューアルバム『For the Sake of Stillness』を6月26日にJealous Butcher Recordsからリリースすることを発表しました。あわせて、Adam Hardingが制作・編集を手掛けた新曲「Hangin’ On」のミュージックビデオも公開されています。

本作は、人生や周囲の人々、そして自分自身を愛していく過程で生まれる「些細な瞬間」を捉えた、ベース中心の非常に親密な作品です。楽曲の多くは、異国の街を歩きながら周囲を観察するような「歩行のペース」で展開されます。ツアーの合間に録音を重ねて制作されたこのアルバムは、多忙な日々の中で自分自身を繋ぎ止めるための大切な習慣であり、自己を表現するステートメントとしての側面も持っています。

サウンド面では、音楽の背景に足音や鳥のさえずり、雨音、街の喧騒といったフィールドレコーディングが織り交ぜられており、聴き手を白昼夢や誰かのプライベートな世界へと誘います。瞑想、愛の詩、そして賛美歌としての性質を併せ持つ本作は、親しい協力者と共に作り上げられた深く個人的なプロジェクトであり、断片的な瞬間を一つの輝かしい物語へと編み上げた、巡礼のような記録となっています。

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Boards of Canada – “Introit / Prophecy At 1420 MHz”

スコットランドを代表するエレクトロニック・デュオ、Boards of Canada（BOC）が、2013年の『Tomorrow’s Harvest』以来、実に13年ぶりとなるニューアルバム『Inferno』のリリースを正式に発表しました。先月、ファンに謎のVHSテープが郵送されるというミステリアスなプロモーションで幕を開けた今回のカムバックですが、ついにリードシングルが公開されました。アルバムの冒頭を飾る36秒の導入曲「Introit」に続く「Prophecy At 1420 MHz」は、90年代後半のハイテク・スパイ映画を彷彿とさせる不穏なミドルテンポのグルーヴと、コンピューター音声によるナレーションが特徴的な一曲です。

本作のサウンドは、初期のヒップホップ的なサイケデリアとも、その後の内省的なアンビエントとも異なる新たな質感を備えていますが、10年以上新曲を待ちわびていたファンの渇望を癒やすには十分すぎる仕上がりとなっています。また、過去20年間の象徴的なアルバムジャケットを数多く手掛けてきた伝説的アーティスト、ロバート・ベッティが監督したミュージックビデオも同時公開されました。BOC特有のノスタルジックかつ不気味な世界観が見事に視覚化されており、待望のアルバムへの期待をさらに高めています。


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檻をすり抜ける空気のように。Félicia Atkinsonが解釈する『顔のない眼』の孤独と、その格子の先に灯された「自由」への道標。

Félicia Atkinsonが、ジョルジュ・フランジュ監督のカルトホラー映画『顔のない眼』の新たなスコアを手掛けたアルバムをリリースします。本作は、ベルギーの文化センターVIERNULVIERの企画のために制作されたもので、10代の頃に本作を観て以来、その時代を超越した不気味な美学に魅了されてきた彼女の深い敬意が込められています。近年の作品とは異なり、あえて「声」を排し、ピアノとキーボードの即興演奏を主体としたインストゥルメンタル構成となっています。

音楽的なアプローチにおいて、彼女は劇中に登場する「檻」をひとつの象徴として捉えました。狂気の外科医によって捕らえられた犠牲者たちの監禁状態とは対照的に、Atkinsonの音楽は格子の間を自由にすり抜ける「空気」のように境界なく漂います。フランスの電子音響研究所GRMの先達が持っていた知的で外科的な音響構築の手法にインスピレーションを受けつつ、ピアノの音色を精緻な電子音の地形の中に埋め込むことで、映画の深層的なテーマと瞬間の出来事の両方を鮮やかに描き出しています。

本作は、文筆家のClaire CroninによるエッセイとMomo Gordonのドローイングを添えたLPとして、全編90分のスコアを34分に凝縮した形で発表されました。Atkinsonはこのサウンドトラックを、凄惨な暴力に抗い「顔のない存在」になることを拒んだ実在の女性Gisèle Pelicotに捧げています。恐怖や抑圧を単に模倣するのではなく、檻の中に囚われた者たちの自由と力を示唆し、暗闇の先にある「逃げ道」を指し示す道標のような、多層的で詩的な作品に仕上がっています。


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ミュンヘンの地下スタジオから、記憶の断片を紡ぐ。フィールドレコーディングとアナログの揺らぎが交差する、静謐なる傑作『The Shell』の誕生。

Squamaの共同創設者であるMartin Bruggerが、ソロデビュー作から5年ぶりとなるニューアルバム『The Shell』を発表しました。本作はヴィッキ・バウムの小説『グランド・ホテル』の一節から着想を得ており、価値あるものを生み出す悦びのために恐怖を乗り越えるプロセスを「実と殻」に例えて表現しています。前作の成功がプレッシャーとなり、一度は完成したアルバムを破棄するという苦悩を経て、彼は「誰かのためではなく、自分の内なる衝動のために作る」という原点に立ち返りました。

制作はミュンヘンのスタジオで独り、祖母から譲り受けた古いナイロン弦ギターを手にしたことから始まりました。子供が楽器を学び直すような無垢なアプローチで紡がれたシンプルなメロディに、アイスクリーム販売車の音や友人の鼻歌、ブルックリンでのフィールドレコーディングといった日常の断片を融合。テープエコーなどのアナログ機器を駆使し、あえて不完全さを受け入れることで、触感的で親密なサウンドスケープを構築しています。

かつてFazerのメンバーとしてドイツのジャズ・シーンを牽引し、プロデューサーとしても数々のアーティストを支えてきた彼にとって、本作は極めてパーソナルな記録です。ノイジーなシンセやローファイなフォーク・ギター、そしてドリーム・ポップの感性が交差する静謐な音像は、彼自身の内面的な葛藤と誠実に向き合った証。洗練よりも「正直であること」を選んだこのアルバムは、彼が音楽に一生を捧げると決めた瞬間のような、純粋な創作の悦びに満ちています。


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リズムは大気へ、感情は深淵へ。ワルシャワの鬼才Earth Traxが到達した、内省的で境界なきエレクトロニック・ミュージック

ワルシャワを拠点に活動するBartosz Kruczyńskiのプロジェクト Earth Trax が、2026年6月12日にニューアルバム『Everlasting Flame』をリリースすることを発表し、同名の先行シングルを公開しました。前作『Closer Now』の探求的な流れを汲みつつ、本作ではより内省的な深淵へと踏み込んでおり、アンビエントな抽象性とリズム主導の形態が交錯する実験的なアプローチを見せています。

アルバム全体は、冷たくきらめく空気感と深く沈み込むような低域の構造によって構築されており、憂鬱と推進力の間の絶妙な緊張感を保っています。霞がかったアンビエントのパッセージやダブの質感を備えたテクスチャー、そして断片的なベース・ミュージックの要素が流動的に移ろいながらも、作品全体には強固な一貫性が貫かれています。

今作の核となるのは、沈み込むようなパッド音と鋭利な高域のディテールが対置されるような、鮮やかなコントラストにあります。クラブミュージックとしての機能性を超え、フリーフォームな表現との境界線上に位置するこのサウンドは、没入感に溢れ、聴き手の感情に深く共鳴します。リズムが大気へと溶け込み、感情が主導権を握る「中間領域」を鮮やかに描き出した一作です。


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frances chang – “No avatar”

Frances Changの楽曲「No Avatar」は、自己イメージをあえて解体することで得られる、逆説的な自信と堂々とした振る舞いを描いています。「写真は撮らない、アバターなしで歩き回る」という宣言は、外見的な自己描写を拒絶することを意味しており、客観的なイメージに縛られない、より直感的な存在の在り方へと踏み出しています。

Changによれば、この曲は日常的な欲求までをも含んだ「リビドー（精神分析的な意味での生への欲動）」に従うこと、そして自らの内なる暗闇を受け入れることをテーマとしています。潜在意識のミステリーや「シャドウ・セルフ（影の自己）」への愛を歌うこの曲は、自己の深淵へと向かう、切なくも確かな探究の旅へと聴き手を誘います。


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坂本龍一へのオマージュとハワイの神話が交錯する場所。Kalia Vandeverが探求する、先祖との対話と「神聖な力（マナ）」の響き

トロンボーン奏者で作曲家のKalia Vandeverが、名門International Anthemからのデビュー作となるニューアルバム『Mana』を6月にリリースすることを発表しました。前作からわずか半年足らずで届けられる本作は、彼女が初めて自ら作詞と歌唱を手がけた楽曲を収録しており、これまでのキャリアにおける大きな転換点となる一作です。

Harry StylesやJapanese Breakfastのサポートを務め、Haley Heynderickxのツアーでソロとして観客と向き合った経験が、言葉を用いた表現への挑戦を後押ししました。本日公開された先行シングル「Hubbard Road」ではまだ歌声は披露されていませんが、エフェクトを駆使したトロンボーンの巧みな演奏と、故・坂本龍一にインスパイアされたピアノの旋律が融合し、彼女の卓越した構成力が示されています。

アルバムの核心にあるのは、自身のルーツであるハワイの神話や先祖との繋がり、そして「神聖な力」を意味する「マナ」という概念への探求です。家族としてのアイデンティティと音楽家としての人生が交差する本作は、悲しみや愛、コミュニティとの関わりをナビゲートしながら、先祖へ捧げる演奏を通じて自身のマナを深めていく、極めてパーソナルな物語を湛えています。


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現代の孤立に響く、共鳴と温もりの調べ。F.S.BlummがLEITERから贈る待望の2ndアルバム『WELLEN FORMEN』

ドイツの奇才 F.S.Blumm が、Nils Frahmらが主宰するレーベル LEITER より、ソロ2作目となるニューアルバム『WELLEN FORMEN』を2026年5月22日にリリースします。発売に先駆け、移ろいゆく瞬間の断片を捉えた先行シングル「While Leaving」が公開されました。本作は、デジタル配信のほか各プラットフォームで展開される予定です。

アルバムのサウンドは、F.S.Blumm特有の風変わりな楽器コレクションを用いた崇高なアレンジによって構築されています。長く伸びやかなメロディラインとアコースティックな音色、そして繊細に彫り込まれたアンビエントな空気感が重なり合い、ミニマリズムに根ざしながらも現代的な室内楽のような気品ある響きを聴かせます。

本作『WELLEN FORMEN』が放つのは、現代社会の孤立に対するカウンターポイントとしての「人間の温もり」や「連帯感」です。美しさを分かち合い、共に呼吸し、ポジティブに繋がり合うことをテーマとしたこの作品は、聴く者に深い安らぎと社会的な幸福感をもたらします。独創的な楽器が織りなす親密なアンサンブルが、冷涼な現代に確かな体温を宿しています。


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名門krankyが送り出す、静寂と霞の詩学。Cate Kennanが変貌した故郷の記憶を辿る最新作『Shadows』

ロサンゼルスを拠点とするミュージシャン、Cate Kennan（ケイト・キーナン）が、名門レーベルkrankyよりセカンド・フルアルバム『Shadows』を2026年6月26日にリリースすることを発表しました。先行シングルとして「Devil’s Hour」が公開されています。本作は彼女自身によるセルフプロデュースで、数年ぶりに帰郷したロサンゼルス北西部の風景が、時間とともに静かに変貌していたことに端を発する「喪失感や転置の感覚」がインスピレーションの源となっています。

アルバムは、鍵盤や弦楽器、リバーブを効かせた歌声が織りなす10の小品で構成されています。そのサウンドは、夢と子守唄の間を揺れ動くような、美しくもどこか遠く離れた響きを湛えています。回転草を連想させる軽やかな小品から、セピア色のトーチ・ソング、抽象的なキーボードの瞑想曲まで、まるで汚れたガラス越しに景色を眺めるような、抑えられた濁りのある美しさがアルバム全体を貫いています。

彼女にとってこの作品における「霞（はぜ）」は、単なるノスタルジーを超え、メロディや記憶をまだ見ぬ風景へと解き放つ変容の手段です。過去を懐かしむことから始まった感情は、やがて地平線の向こう側に存在するかもしれない未知の場所への切望へと変化していきました。距離感や埃っぽさ、そして茫然とした感情を呼び起こすこの作品は、聴く者を孤独でありながらも温かい、独特の音響世界へと誘います。


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テルミンとカチャピが奏でる未知の郷愁。ALIAが多層的な文化的ルーツを注ぎ込んだデビュー作『Where Echoes Bloom』

ロサンゼルスを拠点とするテルミン奏者・作曲家のALIAが、デビューアルバム『Where Echoes Bloom』のリリースを発表しました。本作は、人間の声のように響くテルミンの音色と、インドネシアの弦楽器カチャピを、Arturia Microfreakなどのシンセサイザーによる豊かなパッド音と融合させた作品です。レバノン人の父を持つ彼女は、アラブ音楽やバリ島でのフィールドレコーディングなど、多様な地理的・文化的背景を一つの幻想的なサウンドスケープへと昇華させています。

先行シングルの「Endless Love」は、親密な吐息のような歌声から始まり、官能的なカチャピの音色が花開くエキゾチカな一曲です。また、ダークなトーンが印象的な「Crescent Sun」では、影のあるベースシンセとアルペジオが、タイトル通りシルクロードを彷彿とさせる神秘的なイメージを描き出しています。これらの楽曲はすべて彼女の自宅でセルフプロデュースされ、水滴の音や自然界のサンプリングを用いることで、未知でありながらも温かみのある「実在する場所」のような質感を生み出しています。

アルバム制作の背景には、現在進行中のパレスチナでの情熱的な哀悼の意も込められています。歴史的な惨劇に直面する中で、ALIAは自身の表現を通じて社会への深い眼差しを注ぎました。冒頭を飾る「Soul of my Soul」は殉教者たちへの追悼として捧げられており、美しいアンビエンスの中にも、彼女が抱く痛みと誠実な祈りが通奏低音として流れています。文化的ルーツ、高度な演奏技術、そして強い社会意識が交錯する、極めてパーソナルで多層的なデビュー作となっています。

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