W. H. Lung – Every Inch of Earth Pulsates

「W.H. Lungの最新アルバムについて、Tom Sharkettはこう語っています。”ライブ・サウンドにはしたくなかったけど、ライブの興奮を表現したかったんだ”」

これは、近年彼らが紛れもなくこの国で最も陽気で魅力的なライヴ・バンドのひとつへと開花したことで、グループにとって最重要事項となっていることです。「私がバンドをやっているのは、ライブをやるためなんです」とシンガーのJoe Evans。「僕にとって音楽とはライブなんです。人と一緒に演奏するためにあるんです」。

Chris Mulligan、Hannah Peace、Alex Mercer-Mainを擁するこの5人組バンドは、前プロデューサーのMatt Peelとの2度のコラボレーションで大成功を収めた後、3rdアルバムで新しいことに挑戦することを決意。ライヴのエネルギー、スピリット、ダイナミズムを表現するため、彼らはシェフィールドに拠点を移し、Ross Orton（MIA、Arctic Monkeys、Working Men’s Club）と仕事をすることに。「ロスはシェフィールドのスティーヴ・アルビニだ」とエヴァンス。「彼は考えすぎず、曲のレコーディングという芸術のプロセスを信頼する王様。彼はいつも私たちが頭でっかちになっているのを止め、曲を完成させるためにいてくれました”。シャーケットもこれに同意： 「彼は、私たちが気づかないうちに必要としていたプロデューサーでした。彼のプロダクションとミックスは、大げさで、生き生きとしていて、あなたの顔を見ているようで、まさに私たちが求めていたものでした”。

とはいえ、このアルバムは瞬間をとらえる感覚ときらびやかな活気に根ざしているとはいえ、生々しさや荒々しさがあるわけではありません。W.H.Lungらしく、ダンスからポップ、インディーまで、様々なジャンルを横断しながらも、紛れもなく彼ら独自のクオリティーを保っているのです。「このアルバムで、何が自分たちらしいサウンドを生み出しているのかに気づいたことは、私にとって本当に大きなことだった」とシャーケット。「そのおかげで、このアルバムはより自信に満ち、自信に満ちたものになったと思います。いくつかの曲はLungのように聴こえるし、それをとても誇りに思っています。他のアルバムでは、これほど一貫してそれができたとは思えません。

バンドは自分たちだけのアイデンティティを深く掘り下げたとはいえ、このアルバムは過去の栄光に安住しているわけではありません。このアルバムは、彼らの強固な基盤を拡大しながらも、新たな境地を切り開くという、大きな飛躍を遂げた作品なのです。「このアルバムの大きな違いは、あらゆる意味で直接的であることだ」とシャーケット。「曲作りがより前面に出ています。これまでは、曲作りとは対照的に、雰囲気やプロダクションに重点を置いていました。ここでの全体的なミッションは、古典的なソングライティングの構造に戻し、プロダクションはその後に行うことでした”。

だから、このアルバムに収録されているのは、深く考え抜かれ、よく練られた曲であり、その瞬間の瞬発的な強度で録音され、その後に実験的なタッチが加えられています。そして、オートンのバンドへの貢献が、勝利の方程式であることを証明しています。「彼は、私たちが書いた曲にマジックをもたらしてくれたわ。「そして、毎回ワンクと奇抜さをプラスしてくれました」。

このような奇抜さは、冒頭の「Lilac Sky」から明らかで、ごく短時間、スペイン語学習用12インチをサンプリングした後、うずまくようなアトモスフェリック、催眠術のようなベース、きらめくシンセがこの曲を始動させるのです。「私は、レコードの冒頭に明確な区切りがあるのが好きなんです。「この曲を知っている人なら、最初の1秒でその曲だとわかるような、そんな曲にしたかったんです」。
この曲は、探検に根ざしたこのアルバムの基調を作るという意味でも、完璧なアルバムのオープニングです。「ある日、夕暮れ時にハムステッド・ヒースに出かけたら、空が狂っていて、キノコを採ったばかりだったんだ」とエヴァンスは回想。「このことを思い出して、物事の本当の姿を。だから、この曲はアルバムの残りの部分に対する呼びかけのような役割を担っているのかもしれません。耳を澄まし、注意を払い、心を開いて圧倒されるような曲なんです」。
Bliss Bliss」では、盛り上がるコーラス、多幸感溢れるシンセ、フェスティバルのヘッドラインにふさわしいヴォーカルで、バンドはほとんどアンセミック・インディーの領域に突入しています。「10代の頃に忘れてしまった曲を歌うように歌いました」とエヴァンスは熱唱について語る。バンドにとっても新鮮なアプローチでした。「最初はギターがカレッジ・ロックっぽいと思ったけど、そのままやってみたの」とシャーケット。「私にとっては全く違うギター・プレイ・スタイルで、インディーの世界ではもっと伝統的なものなんだけど、それを楽しんでいたの」。
いろんな意味で、この曲もLPの基礎となる曲でした。「このアルバムのために、より伝統的な曲を書いた最初の例だった」とシャーケット。「この曲は、従来のギター・バンドのライブ感と、Lungのシンセサイザー的なキラキラした部分とのバランスを体現しているような曲。これまでのバンドとしての経験の完璧な集大成のような気がします。
より伝統的でオーソドックスな曲を書くというバンドの能力は、明らかに彼らが容易に身につけたスキルであり、「Thinner Wine」や「Bloom and Fade」のような曲には、ほとんどスプリングスティーンのようなクオリティがあります。一方、「How to Walk」は、ステージで絶対に成功することだけを考えて作られた曲。「ライブで演奏するのが待ちきれないよ」とエヴァンス。「私たちのライブ・セットを代表する曲、新しい大きな曲が欲しかったんです。白熱のシンセとヴォーカルのメロディがたまらなく魅力的で、観客が一体となって歌っているのが聞こえてきそう。
伝統的なソングクラフトに根ざしながら、ライヴ・パフォーマンスのパワーを取り込み、実験的な新しい方向へとサウンドを押し進めながら、まったく新しいコラボレーターとのコラボレーションを成功させるのは、信じられないほど難しいこと。しかし、このアルバムでバンドはそれを成し遂げました。
アルバムの最後を飾る「I Will Set Fire To The House」は、その完璧な例。この曲は、完璧に構築された曲であると同時に、放射状に広がるシンセが最初から包み込み、エヴァンスのヴォーカルは絹のようでありながら力強く、ピースのヴォーカルと完璧に共生しているため、非常に生き生きとしていて、今を生きていると感じられる曲。この曲は、夜遅くまで演奏し続ける音楽の限りない喜びを表現しています。アルバムの最後に “日の出まで踊り明かそう “と言うのは、ちょっと大げさかもしれない」とエヴァンス。「でも、クソくらえ」