Tyondai Braxton – Splayed Werks

一見しただけでも、Tyondai Braxtonのニューアルバムであり、2022年の交響曲作品『Telekinesis』の録音以来となるフルレングス・リリース『Splayed Werks』は、これまでの作品とは異なり、イギリスのレーベルErased Tapesとの新章の幕開けを告げるものであることが分かります。まず、ここには遥かに多くの音楽が詰まっており、70分以上に及ぶ純粋なエレクトロニクスとサウンドデザインが広がっています。さらに、その構成は、現在47歳の作曲家／プロデューサーがこれまで創り出してきた長編形式のスタイルとは一線を画しています。アルバムに収録された15トラックのうち、3分の2以上が5分未満の楽曲です。

このアルバムは、主に新曲を中心に、過去10年間に作曲され、一部はかつて単独のリリースとして発表されていた楽曲を融合させています。この期間の全貌を完全に表現するため、Braxtonは「Dia / Phonolydian」（2022年）と「Multiplay」（2023年）のシングルを『Splayed Werks』に組み込み、プロジェクトの長期的な作曲のアーク（軌跡）を前面に押し出しています。「Salt Point」や、これまで未発表だった委託作品「4 Zones」（2018年）や「K Space」（2021年）とともに、これらの楽曲は常に、進化を続けるより広範な素材群の一部でした。本作において、それらは新しいバージョンとして再編集され、ロンドンのMetropolis Studiosにいる優れたMatt Coltonによってリマスタリングされ、ひとつの連続した物語へと編み込まれています。その結果、単なるコンピレーション（編集盤）ではなく、リアルタイムで自らの系譜をたどるようなレコードが誕生しました。何年にもわたって作曲された作品群が、今、ひとつのまとまりのあるステートメントとして完全に具現化されたのです。

状況的な事実だけでは明らかにならないのは、多面的でエピソード豊かな作品である『Splayed Werks』が持つ、社会的かつ現実世界（IRL）の文脈です。本作は激動の時代に音楽的な旗を掲げており、そこでは闇とアンビエンス、リズムと光、本能と精密さ、オーガニックなテクスチャーと雑然とした遊び心がすべて空間を共有しています。これらの『Werks（作品群）』は、絶えず進化する世界と、その創造主が経験してきた進化を総括しているのです。

これは、音の風景がクラブのサウンドシステム対応、アートインスタレーション寄り、そして音楽学校的なアプローチを併せ持つ、ますます過激なハイブリッドを熱狂的に受け入れ続けている2026年という時代に完璧にマッチしたアルバムと言えるかもしれません。しかし同時に、重要なことに、それは直感的でハンドクラフト（手作り）でもあります。Tyondaiがこの世界を構築する一翼を担ってきたと言っても過言ではありません。20年以上のキャリアの中で、彼はエレクトロニック・プログ・パンクの英雄Battles（彼は「バンドを装った実験室」と表現しています）を共同結成し、Philip Glassとのデュオとしてパフォーマンスを行い、Bang on a Can All-Stars、Alarm Will Sound、Third Coast Percussion、Brooklyn Rider、Yarn/Wireといった著名なアメリカの現代音楽アンサンブルのために数多くのエレクトロ・アコースティックや室内楽の委託曲を執筆してきました。また、「一部インスタレーション、一部バンド」という彼のHIVEプロジェクトは、グッゲンハイム美術館、シドニー・オペラハウスに登場し、Big Ears Festivalでは3日間のレジデンシー公演を行いました。そして、エレクトロニック、実験音楽、フューチャー・ミュージックの高名なレーベルであるWarpやNonesuch Recordsからは、技術的に野心的で、時にオーケストラ的な作品群を次々と世に送り出してきました。

その一方で、外の世界もまた過激化しています。新しい実験音楽の制作、プロモーション、流通、放送の背後にある仕組みは激しく破壊されましたが、その聴衆はむしろ拡大しています。コロナ禍以降のストリーミング時代において、「ポピュラー」対「アンダーグラウンド」、あるいは「アルバム」対「コレクション」対「プロジェクト」といった並列は、かつてないほど流動的になっています。これまで軽視されていたアンビエントや現代のクラシック・サウンドの量と受容は、批評的な文脈の欠如によって抑え込まれ、アルゴリズムによる愚行やAIの捏造が組み込まれるようになりました。このような緊張感は、2018年から2025年の間に録音された音楽が詰まった『Splayed Werks』の構成だけでなく、その比較的シンプルな音のコラージュ形式にもインスピレーションを与えています。

その「Splayed（外側に広がった）」形状や構造は、Braxtonの私生活における変化からも影響を受けています。Tyondaiが今や父親であることは驚きではないかもしれませんが、1990年代後半に正規の音楽学校教育に反発した男が、2022年にプリンストン大学の作曲科教授に就任したという事実は驚きを誘います。このライフスタイルの変化――フルタイムのアカデミックな仕事を得て、委託やコラボレーションに縛られたキャリア至上主義のハムスターの回し車から脱出し、自宅スタジオを自身のワークショップや実験場としながら、物事を完成させたいという欲求を持ち、そこに執着しすぎない視点を得たこと――もまた、このアルバムのサウンドの鍵となっています。Braxtonの時間は彼だけのものであり、現代においてアーティストであることの意味に対する彼の考えは、周囲の環境と同じくらい進化しました。これこそが『Splayed Werks』が描いていることでもあるのです。ベテラン・アーティストの新作を毎回「最もパーソナルな作品」と呼ぶのは使い古された表現かもしれませんが、今作が2026年におけるBraxtonのあり方を最もよく反映していると言っても過言ではありません。

ひとつのポートフォリオとして、『Splayed Werks』はダンス・ミュージックとミニマルなエレクトロニック作曲が交差するメニューに忠実であり、その一本の線は、Aphex TwinやAutechreのようなIDMの不条理主義者から、Mica LeviやLaurel Haloのような現代の没入型アーティストへと伸びています。（そして、やや程度は低いものの、Braxtonの仲間であり時折コラボレーターでもあるKieran “Four Tet” Hebden、Jeffrey Cantu-Ledesma、Ben Vidaにも繋がっています。）それは、数々の汚れたリズムがクラブの大箱の領域を遥かに飛び出す世界です。「Oslo」のダブ調でローファイな直線性を、熟練のミックスの手と世界クラスのサウンドシステムがサイケデリックな驚異へと変貌させる光景を想像できる一方で、「UnFS」におけるベースシンセと絶えず逸脱していくシャッフルとの相互作用は、レフトフィールドなバガー（秀逸なトラック）と言えるでしょう。そして、その緻密に構成されたビートのない空間は、現在のアンビエントの傾向とはほとんど関係がありません。攻撃的であると同時に至福に満ち、音像が左右に振られるミニチュア作品「Realistic Water」は、力強いLaraajiのように響きます。

Braxtonのアイデアと方向性のスペクトラムは、物事を複雑にしすぎることなく変化させていく、旺盛な探求心を持った精神を明らかにしています。適切にも（まさに）「Multiplay」と題された2つの異なる楽曲は、ビート感覚のある遊び心のなかで這い回るテクスチャーをレイヤー化して繋ぎ合わせ、その後にドローン（持続音）の恐怖と組織化されたノイズへと道を譲ります。しかし、それぞれに鳥の鳴き声が添えられており、合成音と牧歌的な響きのバランスが取られています。「Nimble FX」もまた、非常にせわしないストップ＆スタートのリズムラインと、壮大で映画的なシンセの上に構築されています。これらの音楽はすべて流動的であり、何らかの壮大な計画に依存しているというよりは、その瞬間に形を変える準備ができているように感じられます。一方で、「4 Zones」のような、短いパーツが物語を持たないサウンドデザインへと組み立てられていく、より長く古く、空間的な広がりを持つ作曲や、混沌としたアンビエンスがMoog（モーグ）の打撃音のように聞こえるものへと道を譲る、締めくくりの「K Space」はより地に足が着いており、それらが含まれることで『Splayed Werks』を多次元的な空間へと形作り、それらすべてがどのように調和するかを直感的に示しています。

「完成させたどのレコードも、それが何であるかに自分自身が衝撃を受けてきた。完成するまで、それが完成したことすら分からなかったんだ。それから後知恵で、その作品について学ぶことになる。もし正しくできていれば、完成したものはそれ自体の個性、それ自体の存在、それ自体のバイブスを持つようになる。『Splayed Werks』も例外じゃないよ。」 – Tyondai Braxton