「このレコード全体は、この世界のあらゆる力によって形作られる脳の感覚です。私は、コンテンツ・マシンによって物理的に変化させられるあなたの身体について、ずっと考えてきました。私たちを人間たらしめている最も深い部分でさえも、利用可能な状態にあります。私たちは文字通り、目にするものによって変化し、良くも悪くも考え方を変えていくのです。
他者をメンタライズ（心理分析）するとはどういうことでしょうか？ 私たちを取り巻く世界は、私たちをどのように固定化するのでしょうか？ 現代社会において、自らをメンタライズすることは本当に可能なのでしょうか？ これらは、答えを出すよりも質問を投げかける方が簡単な問いです。 Russell Fitzgibbon、別名Skeletenの場合、この問いが彼の新作アルバム『Mentalized』の基盤となっています。
シドニーの音楽シーンに携わる人なら、Russellは馴染み深い顔です。ライブやクラブに行ったり、友人たちがDJをしたりバンドで演奏するのを見たりしています。彼が既存のプロジェクト以外の音楽を試すようになったのは数年前のことです。彼は新しい感覚を求めていました。あるいは、感覚を捉える新しい方法を探していたのかもしれません。
a-haの瞬間はデビューシングル「Mirrored」で訪れました。これはスケルテンに昇る太陽の最初の光線であり、その名が示すように、常にそこにあるものの反映です。それは、時間と場所を体現し、つながりを求めるという温かい願いです。それは、2023年のデビューアルバム『Unde Utopia』の核となるものであり、希望と美の世界を称えるものであり、私たち全員が下から押し上げていくものです。『Mentalized』は、この押し上げには葛藤が伴うと主張しています。この世界で演奏することは、努力なしには得られません。そして、その葛藤は共有することで最良のものとなります。
独自の宇宙の創造者である彼は、『Mentalized』を現実のものとさせる作家、プロデューサー、そして楽器奏者でもあります。 姿勢、サウンド、スタイルの進化であるこの作品は、催眠的でありながら感情的なソングライティング、熟練したながらもオーガニックなプロダクション、そして音楽に対する真の愛と敬意の音によって形作られた、豊かな音の世界です。 熱心な音楽愛好家でありリスナーであるからこそ生み出せる、広範な影響の融合から生まれた独特なビジョンです。インダストリアルやニューメタルのテクスチャが、夢のようなボーカルや抽象的なポップアレンジメントを支え、2000年代のインディーズを彷彿とさせるファズギターがディープハウスやトリップホップのリズムを際立たせています。 そのすべてを支えているのは、Skeletenがダンスミュージックの世界に生まれつき傾倒しているという事実です。
アルバムのタイトルは、リアリティ番組の「メンタリスト」たちが広めたアイデアへの回答です。彼らは、他者の精神プロセスに影響を与える心理的能力を持っていると主張しており、視聴者をソファに釘付けにしたり、さもなければ平凡な人々を武装強盗に駆り立てたりしています。このレコードは、空想的なものではなく、むしろ、私たちがどのようにして「メンタライズ」され、日々自分自身から引き離されていくのかを問うものです。それは、エコロジカル・パンサイエンティズムの考え方への関心の高まりを物語っています。エコロジカル・パンサイエンティズムとは、意識を存在の根本的な要素と捉え、人間の経験と周囲の世界を統合する哲学です。『Mentalized』の核となるのは、その闘争です。資本と資本主義メディアの力から精神を取り戻すための闘争。ポスト真実の世界の圧倒的な情報量の中で、肉体の中に誠実さを見出すための闘争。
Skeletenは、何日もかけて、自分ひとりで曲を浮かび上がらせます。レコードで聴くことができるのは、繰り返し演奏し、聴き、反応するというプロセスを基盤とした、ゆっくりとした瞑想的な作業の結果です。しかし、これは、クリエイティブなコラボレーションからアイデアが生まれないという意味ではありません。友人たちとの気軽なジャムセッションから、リフやベースラインのアイデアが浮かぶことがあり、Skeletenはそれを持ち帰り、熟考を重ねます。この本能は、Skeletenの数えきれないほどのライブショーを一度でも経験した人なら納得できるでしょう。ライブショーでは、録音された音楽をライブ用に再構築した見事なバランスが披露され、観客は彼の内なる世界へと誘われ、最終的には誰もが踊り出します。これは、Russellがバンドと音楽を編成する方法だけでなく、音楽が聴かれるべき方法にも仲間意識を築くという、『Mentalized』の理念を体現したものです。
スケルテンの世界は音と視覚の両方から成り立っており、アートワークの1つ1つからミュージックビデオ、ライブビジュアルに至るまで、あらゆる感情をコンセプト化し、創り出しています。 リードシングル「Deep Scene」のミュージックビデオでは、シドニーの地下に掘られたトンネルを踊りながら進むという視覚的な楽しみがあります。この曲は「なんてこと…」という吐息のようなボーカルで始まり、ソングライターとしてのラッセルと、あなたの隣で世界の現状についてとりとめなく話しているラッセルとの間にあったかもしれない壁を、あっけなく打ち破ります。深刻な状況の中で、遊び心のある幸福感を求めるものです。
「Love Enemy」は、トリップホップ調で、ギターがアクセントとなり、静かに上昇していく曲です。このアルバムでは、ギターがより前面に出ている曲が他にもたくさんあります。「These People」は、メロディアスなギターの音色が曲を彩り、「Bodys Chorus」は、催眠的なシンセサイザーの鐘の音でリスナーを引き込み、スタッカートでオーバードライブのかかったギターの音色で、まるで白昼夢から引き戻すかのようにリスナーを突き放します。
アルバムの前半が知的なものであるのに対し、この曲では「Raw」が軸となっています。スケルテンのボーカルメロディにはより動きがあり、彼の楽器演奏が前面に押し出され、歌詞はあらゆる方向を指し示しています。「Raw」がアルバム初の感情的な爆発であるとすれば、「Let It Grow」はそれに続く快楽への解離的な降伏です。官能的なシンセサイザーのラインにのせて、この曲は重く宙に漂い、満員のクラブの熱気のように動くことなく、抜け出すには上昇するしかありません。
「Viagra」はカタルシスに手を差し伸べる曲ですが、おそらくは届かないでしょう。 最高音で歌いながら、資本の力に身をゆだねる方法が問われています。バイアグラはここで象徴的な存在であり、便利な道具であると同時に、人間を人間たらしめている最も深い部分が、それと同じ力によって変容させられてしまう手段でもあります。アルバムのラストを飾る「Mindreader」は、使い果たされた息の吐き出しです。それは、自分自身、他人、そして世界との関係を同時にナビゲートした結果です。善を目指し、上へ上へと突き進み、そして常に必然的に挫折する。慰めは、一緒に挫折し、それでも突き進むことにあるのです。
このアルバムは、心に響くイメージによって突き動かされ、踊るように編曲されたマントラへと変貌します。スケルテンが他人と自分を共有する方法を知っているのは、メンタライズが彼の提供するものです。彼が答えを持っているというわけではなく、彼があなたと同じ質問をしているということです。メンタライズされることに抵抗することで、自らを委ねるということがどれほど重要であるかを示しています。
